EDICIÓN DE 'LUCIANO BERRIATÚA, GRAN AVENTURERO Y EXPLORADOR DE CINE'

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 23 de septiembre de 2010

Este libro sobre la figura del cineasta y restaurador Luciano Berriatúa que ha escrito Mercedes Miguel Borrás (profesora de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Valladolid) y un servidor ha sido editado por gentileza del Festival de Cine de Madrid-PNR, dentro de su colección "Perspectiva en Corto" http://www.festivalcinepnr.com/category/notas-de-prensa/page/3/, en colaboración con el Instituto Buñuel y la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores) http://www.sgae.es/portal/es/sgae/noticia_sgae. Dicho certamen, en el marco del cual tuvo la presentación el pasado 10 de septiembre, le ha dedicado un cálido homenaje al artista.

Luciano Berriatúa es un autor fundamental en el cine independiente español de las últimas décadas. Todas las películas que ha realizado, desde "El Buscón" (1976) hasta el último de los cortos, "El método del doctor Alquitrán y del Profesor Pluma" (2008), están impregnados por una forma de ver y sentir el cine muy particular y poderosa e influida por la obra genial de Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931), el maestro alemán del cine silente con películas como "Nosferatu" (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauenes, 1922), El último" (Der letzle mann, 1924), "Fausto" (1926) o "Amanecer" (Sunrise, 1927).

Desde su adolescencia, Berriatúa siempre se sintió fascinado por Murnau y por el cine germano de entreguerras. Su relación con el expresionismo, sus significados ocultos, el interés por la alquimia y por la pintura, todos ellos elementos que han estado presentes en obras de Berriatúa como su primer corto profesional, "El alquimista" (1971), los largometrajes "El ojo de la noche" (1974), "La maldición de Horus" (1984-1992) y "Viajes astrales (2002), y los cortos de animación de estos últimos años, "Los gatos de Madrid" (2005), "Calila y Dimna" (2006), "Una historia sin pies ni cabeza" (2007) y el mencionado "El método del doctor Alquitrán y del Profesor Pluma" (2008), basado en un relato de Edgar Allan Poe.

En "Luciano Berriatúa, gran aventurero y explorador de cine" se pasa revista a su labor como restaurador, principalmente del cine de Murnau. Sin su criterio y esfuerzo, no podríamos disfrutar ahora en todo su esplendor de films como "Nosferatu", "El último" o "Fausto", la que considera la mejor película de la historia del cine.

Uno de los aspectos más interesantes que recoge este libro, es su amor al cine de Walt Disney, otro genio igualmente interesado por los saberes ocultos y alquímicos. Berriatúa, que cree que "101 dálmatas" (One Hundred and One Dalmatians, 1961) es una obra maestra revolucionaria de la animación, nos desvela un Disney diferente y sutil a la ñoña imagen comúnmente aceptada. Toda una sorpresa.

Como lo es en sí mismo Luciano Berriatúa, un luchador infatigable por la independencia del cine y de las cosas que uno quiere hacer sin que te las imponga el Estado.

Ha sido un placer.

LOS AUTORES

ALMUDENA GRANDES CONFIRMA SU CONSAGRACIÓN CON 'INÉS Y LA ALEGRÍA'

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. UN POCO DE LIBROS, 22 de septiembre de 2010.

El fenómeno literario de la temporada de otoño es el de Almudena Grandes con su nueva novela, "Inés y la alegría", primera entrega de una larga serie titulada "Episodios de una guerra interminable", cuyo plan de trabajo abarca más de diez años. "Inés y la alegría" se hace eco de un acontecimiento desconocido de la historia de España, como es la conquista del Valle de Arán por guerrilleros republicanos en 1944. Grandes ha causado sensación en este lanzamiento a bombo y platillo de la que es la autora/autor más reverenciado de las letras españolas en la actualidad.

Almudena Grandes ha logrado esa posición con novelas bien recibidas por el público y con temas siempre de interés general, adornados con un regusto clásico en la prosa, una gran capacidad fabuladora y personajes reconocibles y entrañables. Eso es lo que nos ha ofrecido la escritora madrileña en "Atlas de Geografía Humana" (1998), "Los aires difíciles" (2002) o "El corazón helado" (2007), todas editadas por Tusquets, y las dos primeras adaptadas al cine (la primera por Azucena Rodríguez, 2007; y la segunda por Gerardo Herrero en 2006, una excelente película protagonizada por José Luis García Pérez, Cuca Escribano y Carme Elías).

Con "El corazón helado", Grandes logró la consagración. Una ambiciosa novela que en cierta forma anunciaba "Inés y la alegría", con su recorrido a través de personajes entrelazados por la República, la Guerra Civil, la Posguerra y nuestros días. Sus casi mil páginas se devoraban con ansia y con agradecimiento, dejando una huella indeleble en el lector.

"Inés y la alegría" recoge y encarna más personajes perdidos por esa guerra infame que enfrentó a los españoles. Enhorabuena, Almudena.

FICHA

título: 'Inés y la alegría'. Autora: Almudena Grandes. Edición: septiembre de 2010. Editorial: Tusquets. 736 páginas. Precio: 23,10 €

Más información en http://www.almudenagrandes.com/

'EL GRAN VÁZQUEZ', A PROPÓSITO DE UN PERSONAJE NADA CORRIENTE

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 21 de septiembre de 2010

"El gran Vázquez" es una película de Óscar Aibar (con films anteriores como "La máquina de bailar", 2006) que recrea los años dorados del dibujante Manuel Vázquez (Madrid, 1930-Barcelona, 1995), encarnado por Santiago Segura (el creador del inefable Torrente, personaje, para bien o para mal, fundamental en la historia del cine español). Manuel Vázquez fue el autor de series de historietas muy populares del tebeo de los 60 como "Anacleto", "Tío Vázquez", "Las Hermanas Gilda", "Familia Cebolleta", entre otros. Era un hombre que trató de vivir de una manera libre, y a salto de mata, en tiempos en los que estaba muy mal visto hacerlo. Aibar se fija en esa faceta de pícaro genial que Vázquez cultivó. El director conoció al dibujante en sus ultimos años cuando ambos trabajaban para la revista "Makoki" (Aibar fue en los 80/90 guionista de cómics en las revistas "El Víbora" o "Creepy").

"El gran Vázquez" Se ha presentado en la sección oficial a concurso en el Festival de San Sebastián.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección y guión: Óscar Aibar. Director de fotografía: Mario Montero. Montaje: Fernando Pardo. Música: Mastretta. Intérpretes: Santiago Segura (Vázquez), Mercé Llorens (Rosa), Álex Anguelo (Peláez), Enrique Villén (González). Producción: Distinto Films, Tornasol Films. Color, 1: 2,35. Duración: 108 min. Premios: Sección Oficial a Concurso Festival de San Sebastián, 2010. Distribuidora: Alta Cllassics. Estreno: 24 de septiembre de 2010.

Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=Cq9P3bqPUOo

ADIÓS A CLAUDE CHABROL, INSUSTITUIBLE MAESTRO DE LA 'NOUVELLE VAGUE'

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 19 de septiembre de 2010

Se van los mejores, siempre es así. Claude Chabrol (1930-2010), cuya fuerza e intensidad nos iluminaba cada vez que se ponía detrás de las cámaras, nos ha dejado. El mundo no se recupera de estas pérdidas. Quedamos los aburridos, investigando desganadamente dónde está el manantial de energía que animaban a gigantes como el director parisino. Era uno de los fundadores de aquel movimiento incendiario, y ya muy olvidado, que fue la Nouvelle Vague. Autor de policíacos formidables como "El carnicero" (Le boucher, 1970) o "Al anochecer" (Juste avant la nuit, 1971). A mitad de los 80, con historias de suave o brutal ironía, sensualidad y sencillez, Chabrol alcanzó una madurez y maestría que ya nunca abandonó. "Pollo al vinagre" (Poulet at vinaigre, 1985), "Inspector Lavardin" (1986), "Un asunto de mujeres" (Une affaire de femmes, 1988), "Madame Bovary" (1991), La ceremonia" (La cérémonie, 1995), "No va más" (Rien ne van plus, 1997), "En el corazón de la mentira" (Au coeur du mensonge, 1999), "Gracias por el chocolate" (Merci pour le chocolat, 2000), "La flor del mal" (La fleur du mal, 2003) o "Una chica partida en dos" (La fille coupée en deux, 2007) son muestras de un cine maravilloso y único que hablaban mucho y bien de Francia y de esa forma de contar cosas imposible de imitar y de la que Claude Chabrol era uno de sus grandes cultivadores.

La muerte de gente importante, la que tiene algo que aportar a este cretino mundo, es muy dolorosa. Es como si nos quitaran un órgano, como si nos arrancaran algo esencial de esa inmaterialidad en la que creemos firmemente.

Ojalá nacieran muchos más Claude Chabrol.

ESTRENOS SEPTIEMBRE 2010
(Puntuación: 5, gran película. 4, muy buena. 3, buena. 2, interesante. 1, regular. 0, mala.)

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Sumario: 'Conocerás al hombre de tus sueños' (27 de agosto), 'Lope' (3 de septiembre), 'Bright Star' (3 de septiembre), 'Contracorriente' (17 de septiembre)

'CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS'(4)

OTRA GRAN PELÍCULA DE WOODY ALLEN

Género: Comedia dramática.

Sinopsis:

En Londres, un hombre se separa de su mujer tras toda una vida juntos. Se enamora de una call girl y se casa con ella. Su mujer entabla relación con una pitonisa y sus acólitos. Quiere arreglar su vida y la de los demás. La hija de ambos tiene problemas en su matrimonio. El marido es un escritor frustrado que se enamora de la vecina de la ventana de enfrente de su piso. La hija entra a trabajar en la galería de un marchante sofisticado, y se enamora de él. Pero, en realidad, las nuevas relaciones de todos no van todo lo bien que debieran.

Lo que vamos a encontrarnos:

Extraordinaria nueva cinta de Woody Allen que ha escogido un tono más dramático, chejoviano, para este film en el que trenza tres historias principales a cual mejor que encierran una moraleja amarga pero real sobre la felicidad y la plenitud. El sentirse en paz con uno mismo. Allen, año tras año, desacraliza el cine y demuestra que rodar es tan natural como hablar. Escribir y crear como un acto libre y mágico. Nuevamente, le damos las gracias por esta bella película.

FICHA TÉCNICA YARTÍSTICA

Título original: "You Will Meet a Tall Dark Stranger". Dirección y guión: Woody Allen. Producción: Stephen Tenenbaum, Jaume Roures, Letty Aronson. Fotografía: Vilmos Zsigmond. Montaje: Alisa Lepselter. Intépretes: Josh Brolin (Roy), Anthony Hopkins (Alfie), Naomi Watts (Sally), Gemma Jones (Helena), Antonio Banderas (Greg), Freida Pinto (Dia), Lucy Ponch (Charmaine). Formato: 1: 1,85. Duración: 98 min. V.O en inglés. Nacionalidad: EE UU-España, 2010. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 27 de agosto.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=8FNPj65Scxw

'LOPE' (4)

ESPLENDOR DE UN LOPE DE VEGA JOVEN

Género: Drama romántico de aventuras.
Sinopsis:

Primeros años del Siglo XVII. Lope de Vega es un joven soldado que quiere ser escritor. Compone versos con una facilidad asombrosa y rápidamente escribe su primera obra de teatro. Va a ver a un famoso dramaturgo y promotor teatral, pero no lo quiere recibir. Su hija se queda prendada de él y así entra a trabajar para el veterano hombre de teatro pero pronto se independiza. Otra joven también ama a Lope y éste entre trabajos alimenticios y deudas trata de conquistar una fama que le resulta esquiva. Acusado de un grave delito, tiene que huir, pero es detenido a punto de embarcar en Lisboa para las Indias.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película pequeña, sugerente, bien urdida, con excelentes actuaciones del joven Alberto Ammann, tras su éxito en "Celda 211", de Daniel Monzón, y también de las bellas actrices Pilar López de Ayala (que ganó un Goya por "Juana La Loca"; Vicente Aranda, 2000) y Leonor Watling (la gran actriz de films como "Son de paz"; Bigas Luna, 2001). "Lope", dirigida por el brasileño Andrucha Waddington (en 1999 debutó en el largometraje con "Gêmeas") no pretende ser un biopic de toda la inabordable vida de Lope de Vega, que escribió miles de obras y ha quedado como una de las figuras más señeras del Siglo de Oro (entre las obras que escribió están "Fuenteovejuna", 1619; o "El perro del hortelano", 1618, que Pilar Miró llevó al cine en 1996). Su apuesta es mucha más modesta y a la par ambiciosa, porque ha captado la poesía y el encanto de un hombre sin igual y toda la pasión de un joven fénix de los ingenios, como se apodaba al escritor, hombre ducho con la espada, lo cual se plasma en unas secuencias de acción que no están nada mal. Magnífica cinta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección: Andrucha Waddington. Guión: Jordi Gasull, Ignacio del Moral. Fotografía: Ricardo Della Rosa. Diseño de producción: César Macarrón. Montaje: Sergio Mekler. Música: Fernando Velázquez. Intérpretes: Alberto Ammann (Lope), Leonor Watling (Isabel), Pilar López de Ayala (Elena), Juan Diego (Jerónimo Velázquez), Luis Tosar (Fray Bernardo), Antonio de la Torre (Juan). Producción: Antena 3 Films, El Toro Pictures... Formato: 1: 2, 35. Duración: 109 min. Nacionalidad: España, 2010. Premios: Sección Oficial (fuera de concurso) del Festival de Venecia, 2010. Distribuidora: Hispano FoxFilm. Estreno: 3 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/user/lopepelicula?v=Z4VjK4OUkjI&feature=pyv&ad=5531210848&kw=lope

'CONTRACORRIENTE' (4)
GRAN ÓPERA PRIMA PERUANA

Género: Drama.

Sinopsis:
En una zona costera de Perú, un pintor se enamora de un pescador. Éste no quiere reconocer esta relación homosexual porque está casado y el pequeño pueblo cercano no aceptaría de ninguna manera esta inclinación. El pintor muere en un accidente y él sigue viéndolo en sueños. Esconde el cuerpo en una zona rocosa. Acuciado por las circunstancias, tomará una difícil decisión.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película emocionante, muy sensual y libre. En ningún momento el director (el debutante peruano Javier Fuentes-León) pierde el pulso de lo que está contando y logra con facilidad tanto el drama como los aspectos fantásticos de una relación con un muerto. El ambiente de la pequeña aldea de pescadores está bien reflejado, gente muy pobre y, como todo lugar pequeño, inclinado a la maledicencia. Una excelente película y gran cine de autor.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Javier Fuentes-León. Producción: Rodrigo Guerrero, Javier Fuentes-León. Fotografía: Mauricio Vidal. Montaje: Roberto Benavides, Philip J. Bartell. Música: Selma Mutal. Intérpretes: Manolo Cardona (Santiago), Cristian Mercado (Miguel), Tatiana Astengo (Mariela). Duración: 100 min. Nacionalidad: Perú-Francia, 2009. Premios: Premio del Público en el Festival de Sundance, 2010, Premio del Público en el Festival Latino de Chicago, 2010, Premio del Público en el Festival de Miami, 2010. Distribuidora: Karma. Estreno: 17 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=4497MOjvZxM

'BRIGHT STAR' (3)
EL CINE SIEMPRE INTERESANTE DE JANE CAMPION

Género: Drama de época.

Sinopsis:
El poeta John Keats va a vivir a la casa de campo de una atractiva joven. Se enamoran, pero Keats carece de dinero. Ella le admira profundamente y desea su amor. Keats enferma de tuberculosis. Entre algunos amigos, le sufragan un viaje a Italia para ver si recupera fuerzas con el sol de Nápoles.

Lo que vamos a encontrarnos:

Una bella película de Jane Campion, que sigue los pasos de "El piano" (The Piano, 1994) o "Retrato de una dama" (Portrait of a Lady, 1996). La directora australiana tiene una capacidad innata para extraer romanticismo y poesía de cualquier situación, sin caer en la cursilería. "Bright Star" lo logra con creces y salimos del cine encantados de seguir al tanto de la carrera de esta indispensable cineasta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Jane Campion. Producción: Pathé, Screen Australia, BBC Films y UK Film Council. Fotografía: Greig Fraser. Montaje: Alexander de Franceschi. Música: Mark Bradshaw. Intérpretes: Abble Cornish (Fanny Brawne), Ben Whishaw (John Keats), Paul Schneider (Mr. Brown). Formato: 1: 1, 85. Color, 119 min. V.O. en inglés. Nacionalidad: Reino Unido-Australia-Francia. Distribuidora: Vertigo. Estreno: 3 de septiembre
Ver tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=Ix68zq6jiJg&feature=fvst

ESTRENO 8 de JULIO de 2010: 'GAINSBOURG (VIDA DE UN HÉROE)', GRAN DEBUT DEL CREADOR DE CÓMICS JOANN SFAR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Gainsbourg (vida de un héroe)" es una gran película del debutante Joann Sfar (1971), famoso dibujante francés de cómics como "El gato del rabino" (2003). El film se basa en la vida del músico y playboy Serge Gainsbourg (1928-1991) que tuvo amantes tan conocidas como la musa de los existencialistas Juliette Gréco o la sex symbol del cine Brigitte Bardot y estuvo casado con la actriz y cantante Jane Birkin (ambos son los padres de la conocida intérprete y músico Charlotte Gainsbourg) con la que lanzaría el hit erótico "Je t'aime... moi non plus", una canción de 1969 que provocó toda una moda de temas insinuantes en torno al coito.

Sfar ha contado la vida de Gainsbourg (desde su niñez con la estrella amarilla de judío cosida en su chaqueta durante la ocupación alemana de París, hasta su última madurez de artista en los 80) como si fuera una aventura, lejos del habitual biopic de una vida más o menos brillante. Ha incorporado a un personaje fantástico en forma de pájaro que sirve de pantalla para las dudas que va teniendo Gainsbourg (encarnado por el desconocido en España Eric Elmosnino, que guarda un gran parecido con el músico) antes de arriesgarse a ser "alguien". Ese alguien consistente que resultó ser Gainsbourg, un personaje que quiso dedicarse a la pintura (su apellido real era Ginzburg, pero lo cambió a Gainsbourg en honor al pintor inglés dieciochesco Thomas Gainsborough), que componía bonitas melodías, fumaba todo el tiempo, provocaba siempre que se le antojaba y fornicaba bastante porque, ante todo, adoraba a las mujeres y ellas, pese a que no era bien parecido, le adoraban a su vez, ya que tenía esa mezcla de descaro e inocencia irresistibles que las intrigaba.

Serge Gainsbourg compuso canciones tan conocidas como "Poupée de cire, poupée de son", tema que cantó France Gall, logrando ganar el Festival de Eurovisión de 1965, en una etapa muy diferente a la actual evolución del certamen. Otros temas famosos de Gainsbourg fueron: "Accordéon" (para Juliette Gréco), "Harley Davidson" (para Brigitte Bardot), "Les sucettes" (para France Gall) o "Comment te dire adieu" (Françoise Hardy).

Aunque el espectador no sepa nada o muy poco de este formidable artista, el ver "Gainsbourg, (vida de un héroe)" nos gratificará porque es una película diferente y moderna, plena de ritmo y agilidad, de sugerencia. Nos brinda un verdadero modelo de héroe, puesto que Gainsbourg no tenía miedo de ser cómo el era en ese interior que Sfar visualiza en forma de pájaro andante y ante todo audaz. Mucho nos tememos que esa sinceridad, digan lo que digan, sólo es capaz de llevarla a cabo gente que se puede contar con los dedos de una mano.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Gainsbourg, vie héroique". Dirección y guión: Joann Sfar. Intérpretes: Eric Elmosnino (Serge Gainsbourg), Laetitia Casta (Brigitte Bardot), Lucy Gordon (Jane Birkin), Anna Mouglais (Juliette Gréco). Dirección de fotografía: Guillaume Schiffman. Montaje: Maryline Monthieux. Música: Olivier Daviaud. Diseño criatura y efectos especiales: David Marti. Producción: One World Films, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2010. Color, 130 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Gala de Inauguración del Cinema Jove, Festival Internacional de Valencia, 2010. Distribuidora: Avalon. Estreno: 8 de julio de 2010.

DENNIS HOPPER, IN MEMORIAM

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS
UN POCO DE CINE. 11 de junio de 2010

La reciente muerte de Dennis Hopper (Dodge City, Kansas, 1936-Venice Beach, California, 2010) engrosa la lista de víctimas y damnificados de los gloriosos iconos de los 60. Se fueron muy pronto de una u otra manera el Che Guevara, John y Robert Kennedy, Martin Luther King, Jimi Hendrix, Janis Joplin... más tarde John Lennon y tantos otros que representaron de diferentes formas un sueño de libertad. Se nos derrotó con todas las de la ley, no importa si estuvimos o no, en las calles de París en Mayo del 68, en la culminación desgraciada de la Primavera de Praga, en la Plaza ensangrentada de las Tres Culturas de México D.F., ese mismo 1968. La contracultura, mientras seguía perdiendo batallas a lo largo de las siguientes décadas, fue desapareciendo como el agua por una alcantarilla.

Hopper, actor desde su adolescencia en películas como "Rebelde sin causa" (Rebel Without A Cause; Nicholas Ray, 1955) o "Gigante" (Giant; George Stevens, 1956) -protagonizadas ambas por otro ilustre vencido, James Dean-, se empapó de la cultura del rock and roll en los 50 y con la generación hippy explotó como cineasta en un film libre y hermoso: "Easy Rider" (1969). Él lo protagonizó junto a Peter Fonda y a un entrañable Jack Nicholson que daba el salto a la fama encarnando a un abogado sureño bebedor que viajaba por EE UU con sus dos psicodélicos compañeros moteros en busca de conocimiento, libertad y amor. "Easy Rider" (con música de los Byrds, Steppenwolf, Bob Dylan, The Band) fue un vehículo sublime para amplificar la rebelión contra el establishment que se estaba gestando. Una película que tenía mucho sentido del humor, aunque, según avanzaba el metraje, se convertía en una tragedia sin paliativos a consecuencia del conservadurismo de la gente del pueblo de la América profunda, que Hopper mostraba descarnadamente, y su modo de pensar tendente a suprimir lo diferente o lo desprejuiciado. "Easy Rider" contribuyó a que mucha gente se interesara de pronto por la cultura pop, por las puertas de la percepción que invocaban las drogas, y fue una gota más, acompañada de las revueltas y las reivindicaciones pacifistas que reclamaban los jóvenes contestatarios -sobre todo, de rango universitario-, que decidió al Gobierno de EE UU, y en mayor o menor medida al resto de países desarrollados u occidentales, a ir desmontando sutilmente este proceso de destrucción de la sociedad que representaban sin gran claridad de ideas estos grupos antiautoritarios.

Hopper, como tantos otros en sus propios caminos de liberalización, no supo seguir la estela pseudo revolucionaria de "Easy Rider". Rodaría un film surrealista en Perú, "The Last Movie" (1971) que, a propósito de un especialista en escenas arriesgadas (stuntman) que vivía una historia de amor y se involucraba en las luchas intestinas en un poblado andino, venía a ser como un trayecto convulso e iniciático por los efectos de los narcóticos, y fue condenada al olvido. Después, Hopper certificó con su poderosa encarnación de Tom Ripley (el emblemático asesino siempre en guerra consigo mismo que Patricia Highsmith creó en una serie de novelas: "El talento de Mr. Ripley", 1955; "La máscara de Ripley", 1970; "El juego de Ripley"-El amigo americano-, 1974; "Tras los pasos de Ripley", 1980; y "Ripley en peligro", 1991 ) en "El amigo americano" (The American Friend; Wim Wenders, 1977), ese ambiente de desencanto y tristeza por el final del sueño que Lennon ya había anunciado a principios de los 70.

Para concluir esta etapa, Hopper intervino en "Apocalypse Now" (Francis Ford Coppola, 1979) en la que encarnaba a un fotógrafo imbuido también de los preceptos de la contracultura -en otra prueba más de esa derrota inapelable de la que hablamos y que abarcó un buen número de films de los 70 (citemos "Pat Garrett y Billy the Kid", Sam Peckinpah, 1973; o "El cazador", Michael Cimino, 1978)- que vivía en la selva vietnamita atiborrado de alucinógenos y sin capacidad de respuesta ante el espanto que cada día creaba un oficial norteamericano desertor (Marlon Brando), de otra manera igualmente víctima del sueño contracultural, convirtiendo su dominio selvático en un santuario de sangre, locura y poesía.

A su modo, siempre lúcido y coherente, Hopper volvió a ponerse detrás de las cámaras para ofrecer "Caído del cielo" (Out of the Blue, 1980), que protagonizó junto a Sharon Farrell. Una película demoledora sobre una pareja de fracasados con una hija adolescente que ven cómo se deshacen las cosas que tenían, el amor, su clase de vida en el que querían seguir creyendo. Neil Young prestó para el film uno de sus temas más testimoniales de esa dureza nihilista que se palpaba de finales de los 70 ("My My, Hey Hey, out of the blue") y que sintonizaba con el sentimiento punk (la hija de los protagonistas de "Caído del cielo" era fan de Johnny Rotten, cantante de Sex Pistols), violento o al menos arisco, entonces en su apogeo, que negaba y despreciaba los ideales de los 60.

En los 80, Dennis Hopper sacó partido de su fama de maldito y primero fue en "La ley de la calle" (Rumble Fish, 1983) un padre nada ejemplar pero comprensivo con unos hijos que vivían la pesadilla que era enfrentarse a la realidad después de la esperanza de cambio de unos años antes. También se especializó en malos posmodernos que dejaban huella como el perverso mafioso de "Terciopelo azul" (David Lynch, 1985) o el villano apocalíptico de "Waterworld" (Kevin Reynolds, 1996). Como cineasta, Hopper optó por hacer films que plasmaban una atmósfera agria y turbadora -a lo que quizá se ha reducido el american dream tras los excesos buenos y malos de los 60, con la amenaza del sida recortando al mínimo las conquistas en el terreno sexual y la vuelta a las drogas que nunca se fueron, el alcohol y el tabaco, amplificadas por la sustancia yuppy por excelencia, la cocaína-, que dejaban claro el terror ambiental ultrarreaccionario de los nuevos tiempos. Dos de esas películas que firmó Hopper y captaban dichas directrices fueron "Colors" (Colores de guerra, 1988), protagonizada por Sean Penn y Robert Duvall, que reflejaba la lucha de dos patrulleros contra la mafia de Los Ángeles; y "Labios Ardientes" (The Hot Spot, 1990, con Don Johnson y Virginia Madsen, que, en un thriller tórrido de ambiente tejano, insistía en que las soluciones felices sólo eran posibles, y con muchos peros, a una escala individual o de pareja, de puertas adentro, protegidos de la peligrosa intemperie.

Descanse en paz este visionario que creyó en un mundo mejor y fue arrasado, arrastrado por el fango -dan más o menos igual las metáforas- como nos ha pasado a todos los que no siguieron ni seguimos la doctrina eterna de Bush y sus anteriores encarnaciones y las leyes del terrorismo de unos y de otros (no hace falta empuñar una pistola o ser un suicida cargado de explosivos para ser miembro de este club de genocidas que pueden pulverizarte con un movimiento especulativo en bolsa) post-11S.

Te recordaremos con cariño, Dennis. Por ejemplo, en la piel de Tom Ripley en "El amigo americano", pronunciando esta frase ante una grabadora:

"No hay nada que temer, salvo al miedo mismo".