ESTRENOS SEPTIEMBRE 2010
(Puntuación: 5, gran película. 4, muy buena. 3, buena. 2, interesante. 1, regular. 0, mala.)

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Sumario: 'Conocerás al hombre de tus sueños' (27 de agosto), 'Lope' (3 de septiembre), 'Bright Star' (3 de septiembre), 'Contracorriente' (17 de septiembre)

'CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS'(4)

OTRA GRAN PELÍCULA DE WOODY ALLEN

Género: Comedia dramática.

Sinopsis:

En Londres, un hombre se separa de su mujer tras toda una vida juntos. Se enamora de una call girl y se casa con ella. Su mujer entabla relación con una pitonisa y sus acólitos. Quiere arreglar su vida y la de los demás. La hija de ambos tiene problemas en su matrimonio. El marido es un escritor frustrado que se enamora de la vecina de la ventana de enfrente de su piso. La hija entra a trabajar en la galería de un marchante sofisticado, y se enamora de él. Pero, en realidad, las nuevas relaciones de todos no van todo lo bien que debieran.

Lo que vamos a encontrarnos:

Extraordinaria nueva cinta de Woody Allen que ha escogido un tono más dramático, chejoviano, para este film en el que trenza tres historias principales a cual mejor que encierran una moraleja amarga pero real sobre la felicidad y la plenitud. El sentirse en paz con uno mismo. Allen, año tras año, desacraliza el cine y demuestra que rodar es tan natural como hablar. Escribir y crear como un acto libre y mágico. Nuevamente, le damos las gracias por esta bella película.

FICHA TÉCNICA YARTÍSTICA

Título original: "You Will Meet a Tall Dark Stranger". Dirección y guión: Woody Allen. Producción: Stephen Tenenbaum, Jaume Roures, Letty Aronson. Fotografía: Vilmos Zsigmond. Montaje: Alisa Lepselter. Intépretes: Josh Brolin (Roy), Anthony Hopkins (Alfie), Naomi Watts (Sally), Gemma Jones (Helena), Antonio Banderas (Greg), Freida Pinto (Dia), Lucy Ponch (Charmaine). Formato: 1: 1,85. Duración: 98 min. V.O en inglés. Nacionalidad: EE UU-España, 2010. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 27 de agosto.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=8FNPj65Scxw

'LOPE' (4)

ESPLENDOR DE UN LOPE DE VEGA JOVEN

Género: Drama romántico de aventuras.
Sinopsis:

Primeros años del Siglo XVII. Lope de Vega es un joven soldado que quiere ser escritor. Compone versos con una facilidad asombrosa y rápidamente escribe su primera obra de teatro. Va a ver a un famoso dramaturgo y promotor teatral, pero no lo quiere recibir. Su hija se queda prendada de él y así entra a trabajar para el veterano hombre de teatro pero pronto se independiza. Otra joven también ama a Lope y éste entre trabajos alimenticios y deudas trata de conquistar una fama que le resulta esquiva. Acusado de un grave delito, tiene que huir, pero es detenido a punto de embarcar en Lisboa para las Indias.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película pequeña, sugerente, bien urdida, con excelentes actuaciones del joven Alberto Ammann, tras su éxito en "Celda 211", de Daniel Monzón, y también de las bellas actrices Pilar López de Ayala (que ganó un Goya por "Juana La Loca"; Vicente Aranda, 2000) y Leonor Watling (la gran actriz de films como "Son de paz"; Bigas Luna, 2001). "Lope", dirigida por el brasileño Andrucha Waddington (en 1999 debutó en el largometraje con "Gêmeas") no pretende ser un biopic de toda la inabordable vida de Lope de Vega, que escribió miles de obras y ha quedado como una de las figuras más señeras del Siglo de Oro (entre las obras que escribió están "Fuenteovejuna", 1619; o "El perro del hortelano", 1618, que Pilar Miró llevó al cine en 1996). Su apuesta es mucha más modesta y a la par ambiciosa, porque ha captado la poesía y el encanto de un hombre sin igual y toda la pasión de un joven fénix de los ingenios, como se apodaba al escritor, hombre ducho con la espada, lo cual se plasma en unas secuencias de acción que no están nada mal. Magnífica cinta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección: Andrucha Waddington. Guión: Jordi Gasull, Ignacio del Moral. Fotografía: Ricardo Della Rosa. Diseño de producción: César Macarrón. Montaje: Sergio Mekler. Música: Fernando Velázquez. Intérpretes: Alberto Ammann (Lope), Leonor Watling (Isabel), Pilar López de Ayala (Elena), Juan Diego (Jerónimo Velázquez), Luis Tosar (Fray Bernardo), Antonio de la Torre (Juan). Producción: Antena 3 Films, El Toro Pictures... Formato: 1: 2, 35. Duración: 109 min. Nacionalidad: España, 2010. Premios: Sección Oficial (fuera de concurso) del Festival de Venecia, 2010. Distribuidora: Hispano FoxFilm. Estreno: 3 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/user/lopepelicula?v=Z4VjK4OUkjI&feature=pyv&ad=5531210848&kw=lope

'CONTRACORRIENTE' (4)
GRAN ÓPERA PRIMA PERUANA

Género: Drama.

Sinopsis:
En una zona costera de Perú, un pintor se enamora de un pescador. Éste no quiere reconocer esta relación homosexual porque está casado y el pequeño pueblo cercano no aceptaría de ninguna manera esta inclinación. El pintor muere en un accidente y él sigue viéndolo en sueños. Esconde el cuerpo en una zona rocosa. Acuciado por las circunstancias, tomará una difícil decisión.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película emocionante, muy sensual y libre. En ningún momento el director (el debutante peruano Javier Fuentes-León) pierde el pulso de lo que está contando y logra con facilidad tanto el drama como los aspectos fantásticos de una relación con un muerto. El ambiente de la pequeña aldea de pescadores está bien reflejado, gente muy pobre y, como todo lugar pequeño, inclinado a la maledicencia. Una excelente película y gran cine de autor.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Javier Fuentes-León. Producción: Rodrigo Guerrero, Javier Fuentes-León. Fotografía: Mauricio Vidal. Montaje: Roberto Benavides, Philip J. Bartell. Música: Selma Mutal. Intérpretes: Manolo Cardona (Santiago), Cristian Mercado (Miguel), Tatiana Astengo (Mariela). Duración: 100 min. Nacionalidad: Perú-Francia, 2009. Premios: Premio del Público en el Festival de Sundance, 2010, Premio del Público en el Festival Latino de Chicago, 2010, Premio del Público en el Festival de Miami, 2010. Distribuidora: Karma. Estreno: 17 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=4497MOjvZxM

'BRIGHT STAR' (3)
EL CINE SIEMPRE INTERESANTE DE JANE CAMPION

Género: Drama de época.

Sinopsis:
El poeta John Keats va a vivir a la casa de campo de una atractiva joven. Se enamoran, pero Keats carece de dinero. Ella le admira profundamente y desea su amor. Keats enferma de tuberculosis. Entre algunos amigos, le sufragan un viaje a Italia para ver si recupera fuerzas con el sol de Nápoles.

Lo que vamos a encontrarnos:

Una bella película de Jane Campion, que sigue los pasos de "El piano" (The Piano, 1994) o "Retrato de una dama" (Portrait of a Lady, 1996). La directora australiana tiene una capacidad innata para extraer romanticismo y poesía de cualquier situación, sin caer en la cursilería. "Bright Star" lo logra con creces y salimos del cine encantados de seguir al tanto de la carrera de esta indispensable cineasta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Jane Campion. Producción: Pathé, Screen Australia, BBC Films y UK Film Council. Fotografía: Greig Fraser. Montaje: Alexander de Franceschi. Música: Mark Bradshaw. Intérpretes: Abble Cornish (Fanny Brawne), Ben Whishaw (John Keats), Paul Schneider (Mr. Brown). Formato: 1: 1, 85. Color, 119 min. V.O. en inglés. Nacionalidad: Reino Unido-Australia-Francia. Distribuidora: Vertigo. Estreno: 3 de septiembre
Ver tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=Ix68zq6jiJg&feature=fvst

ESTRENO 8 de JULIO de 2010: 'GAINSBOURG (VIDA DE UN HÉROE)', GRAN DEBUT DEL CREADOR DE CÓMICS JOANN SFAR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Gainsbourg (vida de un héroe)" es una gran película del debutante Joann Sfar (1971), famoso dibujante francés de cómics como "El gato del rabino" (2003). El film se basa en la vida del músico y playboy Serge Gainsbourg (1928-1991) que tuvo amantes tan conocidas como la musa de los existencialistas Juliette Gréco o la sex symbol del cine Brigitte Bardot y estuvo casado con la actriz y cantante Jane Birkin (ambos son los padres de la conocida intérprete y músico Charlotte Gainsbourg) con la que lanzaría el hit erótico "Je t'aime... moi non plus", una canción de 1969 que provocó toda una moda de temas insinuantes en torno al coito.

Sfar ha contado la vida de Gainsbourg (desde su niñez con la estrella amarilla de judío cosida en su chaqueta durante la ocupación alemana de París, hasta su última madurez de artista en los 80) como si fuera una aventura, lejos del habitual biopic de una vida más o menos brillante. Ha incorporado a un personaje fantástico en forma de pájaro que sirve de pantalla para las dudas que va teniendo Gainsbourg (encarnado por el desconocido en España Eric Elmosnino, que guarda un gran parecido con el músico) antes de arriesgarse a ser "alguien". Ese alguien consistente que resultó ser Gainsbourg, un personaje que quiso dedicarse a la pintura (su apellido real era Ginzburg, pero lo cambió a Gainsbourg en honor al pintor inglés dieciochesco Thomas Gainsborough), que componía bonitas melodías, fumaba todo el tiempo, provocaba siempre que se le antojaba y fornicaba bastante porque, ante todo, adoraba a las mujeres y ellas, pese a que no era bien parecido, le adoraban a su vez, ya que tenía esa mezcla de descaro e inocencia irresistibles que las intrigaba.

Serge Gainsbourg compuso canciones tan conocidas como "Poupée de cire, poupée de son", tema que cantó France Gall, logrando ganar el Festival de Eurovisión de 1965, en una etapa muy diferente a la actual evolución del certamen. Otros temas famosos de Gainsbourg fueron: "Accordéon" (para Juliette Gréco), "Harley Davidson" (para Brigitte Bardot), "Les sucettes" (para France Gall) o "Comment te dire adieu" (Françoise Hardy).

Aunque el espectador no sepa nada o muy poco de este formidable artista, el ver "Gainsbourg, (vida de un héroe)" nos gratificará porque es una película diferente y moderna, plena de ritmo y agilidad, de sugerencia. Nos brinda un verdadero modelo de héroe, puesto que Gainsbourg no tenía miedo de ser cómo el era en ese interior que Sfar visualiza en forma de pájaro andante y ante todo audaz. Mucho nos tememos que esa sinceridad, digan lo que digan, sólo es capaz de llevarla a cabo gente que se puede contar con los dedos de una mano.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Gainsbourg, vie héroique". Dirección y guión: Joann Sfar. Intérpretes: Eric Elmosnino (Serge Gainsbourg), Laetitia Casta (Brigitte Bardot), Lucy Gordon (Jane Birkin), Anna Mouglais (Juliette Gréco). Dirección de fotografía: Guillaume Schiffman. Montaje: Maryline Monthieux. Música: Olivier Daviaud. Diseño criatura y efectos especiales: David Marti. Producción: One World Films, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2010. Color, 130 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Gala de Inauguración del Cinema Jove, Festival Internacional de Valencia, 2010. Distribuidora: Avalon. Estreno: 8 de julio de 2010.

DENNIS HOPPER, IN MEMORIAM

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS
UN POCO DE CINE. 11 de junio de 2010

La reciente muerte de Dennis Hopper (Dodge City, Kansas, 1936-Venice Beach, California, 2010) engrosa la lista de víctimas y damnificados de los gloriosos iconos de los 60. Se fueron muy pronto de una u otra manera el Che Guevara, John y Robert Kennedy, Martin Luther King, Jimi Hendrix, Janis Joplin... más tarde John Lennon y tantos otros que representaron de diferentes formas un sueño de libertad. Se nos derrotó con todas las de la ley, no importa si estuvimos o no, en las calles de París en Mayo del 68, en la culminación desgraciada de la Primavera de Praga, en la Plaza ensangrentada de las Tres Culturas de México D.F., ese mismo 1968. La contracultura, mientras seguía perdiendo batallas a lo largo de las siguientes décadas, fue desapareciendo como el agua por una alcantarilla.

Hopper, actor desde su adolescencia en películas como "Rebelde sin causa" (Rebel Without A Cause; Nicholas Ray, 1955) o "Gigante" (Giant; George Stevens, 1956) -protagonizadas ambas por otro ilustre vencido, James Dean-, se empapó de la cultura del rock and roll en los 50 y con la generación hippy explotó como cineasta en un film libre y hermoso: "Easy Rider" (1969). Él lo protagonizó junto a Peter Fonda y a un entrañable Jack Nicholson que daba el salto a la fama encarnando a un abogado sureño bebedor que viajaba por EE UU con sus dos psicodélicos compañeros moteros en busca de conocimiento, libertad y amor. "Easy Rider" (con música de los Byrds, Steppenwolf, Bob Dylan, The Band) fue un vehículo sublime para amplificar la rebelión contra el establishment que se estaba gestando. Una película que tenía mucho sentido del humor, aunque, según avanzaba el metraje, se convertía en una tragedia sin paliativos a consecuencia del conservadurismo de la gente del pueblo de la América profunda, que Hopper mostraba descarnadamente, y su modo de pensar tendente a suprimir lo diferente o lo desprejuiciado. "Easy Rider" contribuyó a que mucha gente se interesara de pronto por la cultura pop, por las puertas de la percepción que invocaban las drogas, y fue una gota más, acompañada de las revueltas y las reivindicaciones pacifistas que reclamaban los jóvenes contestatarios -sobre todo, de rango universitario-, que decidió al Gobierno de EE UU, y en mayor o menor medida al resto de países desarrollados u occidentales, a ir desmontando sutilmente este proceso de destrucción de la sociedad que representaban sin gran claridad de ideas estos grupos antiautoritarios.

Hopper, como tantos otros en sus propios caminos de liberalización, no supo seguir la estela pseudo revolucionaria de "Easy Rider". Rodaría un film surrealista en Perú, "The Last Movie" (1971) que, a propósito de un especialista en escenas arriesgadas (stuntman) que vivía una historia de amor y se involucraba en las luchas intestinas en un poblado andino, venía a ser como un trayecto convulso e iniciático por los efectos de los narcóticos, y fue condenada al olvido. Después, Hopper certificó con su poderosa encarnación de Tom Ripley (el emblemático asesino siempre en guerra consigo mismo que Patricia Highsmith creó en una serie de novelas: "El talento de Mr. Ripley", 1955; "La máscara de Ripley", 1970; "El juego de Ripley"-El amigo americano-, 1974; "Tras los pasos de Ripley", 1980; y "Ripley en peligro", 1991 ) en "El amigo americano" (The American Friend; Wim Wenders, 1977), ese ambiente de desencanto y tristeza por el final del sueño que Lennon ya había anunciado a principios de los 70.

Para concluir esta etapa, Hopper intervino en "Apocalypse Now" (Francis Ford Coppola, 1979) en la que encarnaba a un fotógrafo imbuido también de los preceptos de la contracultura -en otra prueba más de esa derrota inapelable de la que hablamos y que abarcó un buen número de films de los 70 (citemos "Pat Garrett y Billy the Kid", Sam Peckinpah, 1973; o "El cazador", Michael Cimino, 1978)- que vivía en la selva vietnamita atiborrado de alucinógenos y sin capacidad de respuesta ante el espanto que cada día creaba un oficial norteamericano desertor (Marlon Brando), de otra manera igualmente víctima del sueño contracultural, convirtiendo su dominio selvático en un santuario de sangre, locura y poesía.

A su modo, siempre lúcido y coherente, Hopper volvió a ponerse detrás de las cámaras para ofrecer "Caído del cielo" (Out of the Blue, 1980), que protagonizó junto a Sharon Farrell. Una película demoledora sobre una pareja de fracasados con una hija adolescente que ven cómo se deshacen las cosas que tenían, el amor, su clase de vida en el que querían seguir creyendo. Neil Young prestó para el film uno de sus temas más testimoniales de esa dureza nihilista que se palpaba de finales de los 70 ("My My, Hey Hey, out of the blue") y que sintonizaba con el sentimiento punk (la hija de los protagonistas de "Caído del cielo" era fan de Johnny Rotten, cantante de Sex Pistols), violento o al menos arisco, entonces en su apogeo, que negaba y despreciaba los ideales de los 60.

En los 80, Dennis Hopper sacó partido de su fama de maldito y primero fue en "La ley de la calle" (Rumble Fish, 1983) un padre nada ejemplar pero comprensivo con unos hijos que vivían la pesadilla que era enfrentarse a la realidad después de la esperanza de cambio de unos años antes. También se especializó en malos posmodernos que dejaban huella como el perverso mafioso de "Terciopelo azul" (David Lynch, 1985) o el villano apocalíptico de "Waterworld" (Kevin Reynolds, 1996). Como cineasta, Hopper optó por hacer films que plasmaban una atmósfera agria y turbadora -a lo que quizá se ha reducido el american dream tras los excesos buenos y malos de los 60, con la amenaza del sida recortando al mínimo las conquistas en el terreno sexual y la vuelta a las drogas que nunca se fueron, el alcohol y el tabaco, amplificadas por la sustancia yuppy por excelencia, la cocaína-, que dejaban claro el terror ambiental ultrarreaccionario de los nuevos tiempos. Dos de esas películas que firmó Hopper y captaban dichas directrices fueron "Colors" (Colores de guerra, 1988), protagonizada por Sean Penn y Robert Duvall, que reflejaba la lucha de dos patrulleros contra la mafia de Los Ángeles; y "Labios Ardientes" (The Hot Spot, 1990, con Don Johnson y Virginia Madsen, que, en un thriller tórrido de ambiente tejano, insistía en que las soluciones felices sólo eran posibles, y con muchos peros, a una escala individual o de pareja, de puertas adentro, protegidos de la peligrosa intemperie.

Descanse en paz este visionario que creyó en un mundo mejor y fue arrasado, arrastrado por el fango -dan más o menos igual las metáforas- como nos ha pasado a todos los que no siguieron ni seguimos la doctrina eterna de Bush y sus anteriores encarnaciones y las leyes del terrorismo de unos y de otros (no hace falta empuñar una pistola o ser un suicida cargado de explosivos para ser miembro de este club de genocidas que pueden pulverizarte con un movimiento especulativo en bolsa) post-11S.

Te recordaremos con cariño, Dennis. Por ejemplo, en la piel de Tom Ripley en "El amigo americano", pronunciando esta frase ante una grabadora:

"No hay nada que temer, salvo al miedo mismo".

ESTRENO 28 de mayo de 2010: 'RABIA', UNA GRAN PELÍCULA EN LA SOLEDAD DE UN CASERÓN

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Triunfadora en el Festival de Málaga (Biznaga de Oro a la mejor película), "Rabia", del ecuatoriano Sebastián Cordero (su anterior film fue "Crónicas", 2004) es una cinta perturbadora y poderosa que transcurre en un caserón norteño donde se esconde un inmigrante sudamericano (Gustavo Sánchez Parra, actor mexicano que destacó en "Amores perros"; Alejandro González Iñárritu, 2000) tras matar en un accidente al capataz de la obra en la que trabajaba. Allí, escondido en el desván de la gran casa, observa la vida de la familia Torres y de su amor, la criada (Martina García, intérprete colombiana que acaba de protagonizar junto a Javier Bardem "Biutiful"; Alejandro González Iñárritu, 2010). Nadie sabe de su presencia en la vivienda, pero es algo más que una amenaza palpable cuando alguien hace algo malo a su querida.

"Rabia" está basada en una novela del argentino Sergio Bizzio (Villa Ramallo, 1956), que ganó en 2004 con la obra el premio Internacional de Novela de la Diversidad (Cartagena, España), y está producida por, entre otros, Guillermo del Toro (el director de "El laberinto del fauno", 2006). Cordero trasladó la acción de la novela a España y ha contado en el reparto, además de los protagonistas, con Concha Velasco (la gran actriz de películas como "Pim, pam, pum... ¡fuego!; Pedro Olea, 1975) y Xavier Elorriaga (entre sus papeles destacados, está "El hombre de moda"; Fernando Méndez Leite, 1980), que son los dueños del caserón, y los hijos, Álex Brendemühl (mejor actor de reparto en Málaga y protagonista de films como "Las horas del día"; Jaime Rosales, 2003) e Icíar Bollaín (actriz de películas como "Tocando fondo"; José Luis Cuerda, 1993; y realizadora consagrada con cintas como "Te doy mis ojos", 2003, Goya a la mejor película y a la mejor dirección).

"Rabia" nos mantiene en tensión en la butaca y no abandona en ningún momento su vocación intimista y su dífícil equilibrio entre el terror, el thriller, y el drama. Además, es como un cuento absorbente en el que, pese a su trasfondo trágico, nos sentimos a gusto, disfrutando de la tétrica y evocativa atmósfera que ha bordado Sebastián Cordero.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Rabia". Dirección: Sebastián Cordero. Guión: Sebastián Cordero. Basado en la novela homónima de Sergio Bizzio. Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra (José María), Martina García (Rosa), Concha Velasco (Elena Torres), Xavier Elorriaga (Edmundo Torres). Dirección de fotografía: Enrique Chediak. Montaje: David Gallart. Música: Lucio Godoy. Producción: Tequila Gang, Telecinco. Nacionalidad: España-México-Colombia, 2009. Color, 90 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en castellano. Premios: Biznaga de Oro a la mejor película, mejor actor de reparto (Álex Brendemühl), mención especial al mejor actor (Gustavo Sánchez Parra), mejor fotografía en el Festival de Cine Español de Málaga, 2010. Distribuidora: Wanda. Estreno: 28 de mayo de 2010.

LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE

'EL TESORO DE SIERRA MADRE', LA LUZ INCANDESCENTE DE UNA GRAN PELÍCULA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 13 de mayo de 2010

"El tesoro de Sierra Madre" es una de esas películas clásicas que se te adhieren a la piel y ya siempre van contigo. John Huston (el gran director de films como "El halcón maltes", The Maltese Falcon, 1941; "La jungla de asfalto", The Asphalt Jungle, 1950; "Vidas rebeldes", The Misfits, 1961; o "El hombre que pudo reinar", The Man Who Would Be King, 1975) narra con grandeza una historia (basada en la novela de Bruno Traven, enigmático escritor alemán que se afincó en México en los años 20, donde publicó en 1927 "El tesoro de Sierra Madre") de hombres fracasados en la que la poesía, la tragedia, la condición humana y el amor se dan la mano y nos dejan una sensación hermosa, como si fuéramos más jóvenes y más puros después de ver esta gema del cine. Humphrey Bogart, en la cima de su éxito (tras protagonizar films como "Casablanca", Michael Curtiz, 1942; o "El sueño eterno", The Big Sleep, Howard Hawks, 1946), encarna a un personaje mezquino obnubilado por el oro. A su lado, Tim Holt (le vimos en "Pasión de los fuertes", My Darling Clementine, John Ford, 1946) es un hombre inocente y sin suerte, y Walter Huston, el padre de John (fue nominado al Oscar al mejor actor en 1936 por "Desengaño", Dodsworth, William Wyler, 1936), interviene en un papel maravilloso de un tipo que ha buscado durante toda su vida el hechizante metal amarillo, siempre de un lado para otro, y que conoce en esa búsqueda de qué está hecha la existencia y lo que en rigor se puede esperar de ella.

Dobbs (Bogart) y Curtin (Holt) son dos hombres desesperados en un México en el que caminan juntos la pobreza más extrema y la riqueza. Hambrientos, piden por las calles (Bogart, en uno de los planos del comienzo de la película, mendiga al potentado John Huston), les engañan con trabajos que no cobran hasta que en un centro de acogida oyen decir a un viejo, Howard (Walter Huston), que en unas montañas más o menos cercanas puede haber oro. A duras penas, compran el equipo necesario y efectivamente encuentra oro, pero ahí comienzan los problemas. Cuando llega otro norteamericano (Bruce Bennett), también en busca de oro que saque de apuros a su esposa e hijo que viven en Texas, la codicia estalla y le sentencian a muerte, a pesar de que éste les ayuda a combatir a unos bandidos. Dobbs/Bogart, enfermo por el calor y la fiebre de una riqueza que jamás alcanzó, pierde la razón mientras el viejo Howard ayuda a unos campesinos, pues es médico, a curar a un niño. Le tratan como a un rey en su poblado y él, en la última vuelta del camino de su vida, se siente feliz. Bogart ha intentado matar a su compañero Curtin y vuelve enloquecido de las montañas, pero es asaltado y lo asesinan. El viento esparce el oro que llevaba en las alforjas de los burros de carga. Cuando Howard y Curtin ven lo que ha pasado, deciden ser realistas. El viejo, que ha encontrado algo seguro y placentero, regresa con los campesinos y aconseja al compañero de Bogart que visite a la guapa viuda del tejano fallecido; le vendrá bien una mano amiga ya que casi es tiempo de cosecha.

"El tesoro de Sierra Madre" tiene un ritmo lento, sosegado, luminoso; casi cualquier secuencia parece el fragmento de un bello poema épico-lírico en el que está escrita nuestra alma sedienta de aventuras y redención, de amor y humanidad. Con pélículas como ésta, merece la pena glorificar ese invento de barracón de feria memoria después del siglo XX y ahora cada vez más tecnificado y diversificado que es el cine.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "The Treasure of the Sierra Madre". Dirección: John Huston. Guión: John Huston. Basado en la novela homónima de Bruno Traven. Productor: Henry Blanke. Intérpretes: Humphrey Bogart (Fred Dobbs), Tim Holt (Tim Curtin), Walter Huston (Howard), Bruce Bennett (Cody). Dirección de fotografía: Ted McCord. Montaje: Owen Marks. Música: Max Steiner. Producción: Warner Bros. Nacionalidad: EE UU, 1948. Blanco y Negro, 126 minutos. V.O . en inglés. Premios: Oscar al mejor director, guión adaptado y actor de reparto (Walter Huston). Estreno: 24 de enero de 1948, EE UU. Edición en DVD: 8,95 euros (tiendas Fnac, precios de mayo 2010).

ESTRENO 7 de mayo de 2010: 'EL PEQUEÑO NICOLÁS', ENCANTADORA NOSTALGIA DE UN TIEMPO MEJOR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"El pequeño Nicolás", de Laurent Tirard (director de films como "Las aventuras amorosas del joven Molière"; Molière, 2007), es una agradable película acerca de un niño travieso, Nicolás, en la Francia de principios de los 60. Está basada en el primer libro de una serie de gran éxito llamada así, "El pequeño Nicolás", que escribió el mítico René Goscinny (el creador, junto a Albert Uderzo, de "Astérix y Obélix") y el dibujante Jean-Jacques Sempé.

Ambos escribieron los libros "El pequeño Nicolás" (1960), "Los recreos del pequeño Nicolás" (1961), "Las vacaciones del pequeño Nicolás" (1962), "Los amiguetes del pequeño Nicolás" (1963) y "Joaquín tiene problemas" (1964). En 2004, Anne Goscinny, hija de René, entregó a Jean-Jacques Sempé una serie de historias cortas sobre Nicolás que su padre tenía guardadas y así, una vez ilustradas y adaptadas por Sempé, se publicaron los volúmenes "La vuelta al cole" (2004), "Diga" (2004), "El chiste" (2004), "Ojo con el pequeño Nicolás" (2006) y "El globo del pequeño Nicolás" (2009).

Lo que vemos en pantalla, procedente del primer libro, es el relato sobre un niño de 10 años que está preocupado porque su madre, según le ha parecido entender en una conversación de sus padres, está embarazada y, oyendo las experiencias de otros compañeros de clase que han tenido hermanitos, lo más probable es que sus progenitores, cuando llegue el bebé, pierdan todo interés en él y le abandonen en un bosque...

El director Laurent Tirard ha contado en "El pequeño Nicolás" con un reparto magnífico de grandes cómicos: Kad Merad, el padre de Nicolás, al que recordamos en "Bienvenidos al norte" (Dany Boon, 2008); Valérie Lemercier como la madre de Nicolás (la actriz y directora de "Palacio Real", 2006); Sandrine Kiberlain como la profesora de la clase de Nicolás (a la que vimos en "Usted primero"; Pierre Salvadori, 2006); y los niños que han sido bien seleccionados por Tirard y su equipo. Maxime Godart encarna a Nicolás y lo hace con bastante corrección, logrando el realizador que el chaval sea comedido en un papel ideal para desplegar, si se tiene, el histrionismo. Igualmente, están muy entonados los amigos de Nicolás: Aniano (Damien Ferdel), el sabihondo del colegio que protege lo primero las gafas cuando se meten con él; Alcestes (Vincent Claude), el gordito siempre dispuesto a apoyar a Nicolás; o Clotario (Victor Carles), el último de la clase, que logra después de enormes esfuerzos contestar correctamente a la pregunta de qué río pasa por París cuando el ministro de Educación en una visita al colegio se dirige a este chico que no sabe nada, no entiende nada y sólo quiere pasárselo razonable y pacíficamente bien dentro de su ignorancia supina.

Laurent Tirard utiliza a veces unos efectos visuales que cansan un poco y acercan "El pequeño Nicolás" al cómic o a la historieta clásica, lo que por otra parte no deja de ser coherente. Lo cierto es que esos recursos se perdonan sin más porque Tirard ha conseguido plasmar un ambiente encantador, de un pasado ideal en el que las cosas eran más inocentes y quizá más fáciles. Una dorada nostalgia que nos hace pasar un muy buen rato.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Le petit Nicolas". Dirección: Laurent Tirard. Guión: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron, Alain Chabat. Asesoramiento guión: Anne Goscinny. Basado en el libro homónimo de René Goscinny y Jean-Jacques Sempé. Intérpretes: Maxime Godart (Nicolás), Kad Merad(Padre de Nicolás), Velérie Lemercier (Madre de Nicolas), Vincent Claude (Alcestes), Charles Vaillant (Godofredo), Victor Carles (Clotario). Dirección de fotografía: Denis Rouden. Montaje: Valérie Deseine. Música: Klaus Badelt. Producción: Fidelité Films, Imav, Wild Bunch. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 90 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en francés. Premios: Nominada al Mejor Guión Adaptado en los Premios César del Cine Francés, 2010. Distribuidora: Vértigo. Estreno: 7 de mayo de 2010.

ESTRENO 30 de abril de 2010: 'WELCOME', UNA HERMOSA PELÍCULA DE AMOR Y CRÍTICA SOCIAL

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Welcome" es una extraordinaria cinta (mejor guión y premio del jurado joven en el Festival de Gijón) que narra la amistad de un socorrista de piscina (Vincent Lindon, intérprete de películas como "Caos"; Coline Serreau, 2001) en el Paso de Calais, frente a la costa británica, y un joven inmigrante kurdo-iraquí (Firat Ayverdi, actor no profesional francés) que quiere llegar a Inglaterra para reunirse con su novia. El director, Philippe Lioret (que ya exhibió su talento en films como "El extraño"; L'équipier, 2004, protagonizada por Sandrine Bonnaire) muestra con sensibilidad algunas de las vicisitudes que tienen que pasar estos seres nómadas que viajan en condiciones infrahumanas durante meses para llegar a su destino y conseguir, como mucho, un trabajo mal pagado y explotado.

Pero lo más importante de la película de Lioret es la maestría con que el cineasta parisino nos describe las personalidades de los dos protagonistas. El francés, un hombre triste tras el abandono de su esposa -que se dedica a ayudar a los inmigrantes ilegales (lo cual está prohibido en Francia)-, y el joven kurdo que, pese a todos los infinitos malos ratos que ha pasado en su viaje de tres meses desde Irak, es un ser inocente que piensa siempre que lo mejor está por venir y que todo es posible si lo intentas. Incluso cruzar a nado el Canal de la Mancha.

Poco a poco, "Welcome" nos va impresionando con esa historia de amor por partida doble que narra Philippe Lioret. Cómo va convenciéndonos en su tesis de que la vida no vale la pena si no se lucha por el amor, al que no se puede renunciar. Ese lazo de oro es el que une al francés de mediana edad, destrozado afectivamente, y al joven despierto a lo que le pueda ofrecer la vida, dando a cambio su limpieza de corazón.

Las obscenas leyes que, de prisa y corriendo, han formalizado los países del primer mundo para detener la incesante marea de personas que llegan hartas de que en sus países de origen se les niegue casi cualquier posibilidad de realizarse quedan en evidencia y descubren su verdadera faz ultraderechista por la que la igualdad (hablando de Francia) que promovió la Revolución de 1789 no es apta, de ninguna manera, para estos desharrapados.

Estamos deseosos también nosotros -como lo está el joven kurdo protagonista de esa vida futura llena de venturas- de imágenes y discursos positivos que nos ayuden a entender este drama inmundo del tráfico de personas. "Welcome" nos alienta a que busquemos el amor y la humanidad allá donde se encuentre y venga de donde venga, lo único que de verdad merece la pena en esta sórdida existencia de consumismo y crisis.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Welcome". Dirección: Philippe Lioret. Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam. Intérpretes: Vincent Lindon (Simon), Firat Ayverdi (Bilal), Audrey Dana (Marion). Dirección de fotografía: Laurent Dailland. Montaje: Andréa Sedlackova. Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar, Armand Amar. Producción: Nord-Ouest Productions, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 110 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Premio al mejor guión y premio del Jurado Joven en el Festival de Gijón, 2009; Premio Lux (valores europeos) del Parlamento Europeo, 2009. Distribuidora: Golem. Estreno: 30 de abril de 2010.