LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE

'EL TESORO DE SIERRA MADRE', LA LUZ INCANDESCENTE DE UNA GRAN PELÍCULA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 13 de mayo de 2010

"El tesoro de Sierra Madre" es una de esas películas clásicas que se te adhieren a la piel y ya siempre van contigo. John Huston (el gran director de films como "El halcón maltes", The Maltese Falcon, 1941; "La jungla de asfalto", The Asphalt Jungle, 1950; "Vidas rebeldes", The Misfits, 1961; o "El hombre que pudo reinar", The Man Who Would Be King, 1975) narra con grandeza una historia (basada en la novela de Bruno Traven, enigmático escritor alemán que se afincó en México en los años 20, donde publicó en 1927 "El tesoro de Sierra Madre") de hombres fracasados en la que la poesía, la tragedia, la condición humana y el amor se dan la mano y nos dejan una sensación hermosa, como si fuéramos más jóvenes y más puros después de ver esta gema del cine. Humphrey Bogart, en la cima de su éxito (tras protagonizar films como "Casablanca", Michael Curtiz, 1942; o "El sueño eterno", The Big Sleep, Howard Hawks, 1946), encarna a un personaje mezquino obnubilado por el oro. A su lado, Tim Holt (le vimos en "Pasión de los fuertes", My Darling Clementine, John Ford, 1946) es un hombre inocente y sin suerte, y Walter Huston, el padre de John (fue nominado al Oscar al mejor actor en 1936 por "Desengaño", Dodsworth, William Wyler, 1936), interviene en un papel maravilloso de un tipo que ha buscado durante toda su vida el hechizante metal amarillo, siempre de un lado para otro, y que conoce en esa búsqueda de qué está hecha la existencia y lo que en rigor se puede esperar de ella.

Dobbs (Bogart) y Curtin (Holt) son dos hombres desesperados en un México en el que caminan juntos la pobreza más extrema y la riqueza. Hambrientos, piden por las calles (Bogart, en uno de los planos del comienzo de la película, mendiga al potentado John Huston), les engañan con trabajos que no cobran hasta que en un centro de acogida oyen decir a un viejo, Howard (Walter Huston), que en unas montañas más o menos cercanas puede haber oro. A duras penas, compran el equipo necesario y efectivamente encuentra oro, pero ahí comienzan los problemas. Cuando llega otro norteamericano (Bruce Bennett), también en busca de oro que saque de apuros a su esposa e hijo que viven en Texas, la codicia estalla y le sentencian a muerte, a pesar de que éste les ayuda a combatir a unos bandidos. Dobbs/Bogart, enfermo por el calor y la fiebre de una riqueza que jamás alcanzó, pierde la razón mientras el viejo Howard ayuda a unos campesinos, pues es médico, a curar a un niño. Le tratan como a un rey en su poblado y él, en la última vuelta del camino de su vida, se siente feliz. Bogart ha intentado matar a su compañero Curtin y vuelve enloquecido de las montañas, pero es asaltado y lo asesinan. El viento esparce el oro que llevaba en las alforjas de los burros de carga. Cuando Howard y Curtin ven lo que ha pasado, deciden ser realistas. El viejo, que ha encontrado algo seguro y placentero, regresa con los campesinos y aconseja al compañero de Bogart que visite a la guapa viuda del tejano fallecido; le vendrá bien una mano amiga ya que casi es tiempo de cosecha.

"El tesoro de Sierra Madre" tiene un ritmo lento, sosegado, luminoso; casi cualquier secuencia parece el fragmento de un bello poema épico-lírico en el que está escrita nuestra alma sedienta de aventuras y redención, de amor y humanidad. Con pélículas como ésta, merece la pena glorificar ese invento de barracón de feria memoria después del siglo XX y ahora cada vez más tecnificado y diversificado que es el cine.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "The Treasure of the Sierra Madre". Dirección: John Huston. Guión: John Huston. Basado en la novela homónima de Bruno Traven. Productor: Henry Blanke. Intérpretes: Humphrey Bogart (Fred Dobbs), Tim Holt (Tim Curtin), Walter Huston (Howard), Bruce Bennett (Cody). Dirección de fotografía: Ted McCord. Montaje: Owen Marks. Música: Max Steiner. Producción: Warner Bros. Nacionalidad: EE UU, 1948. Blanco y Negro, 126 minutos. V.O . en inglés. Premios: Oscar al mejor director, guión adaptado y actor de reparto (Walter Huston). Estreno: 24 de enero de 1948, EE UU. Edición en DVD: 8,95 euros (tiendas Fnac, precios de mayo 2010).

ESTRENO 7 de mayo de 2010: 'EL PEQUEÑO NICOLÁS', ENCANTADORA NOSTALGIA DE UN TIEMPO MEJOR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"El pequeño Nicolás", de Laurent Tirard (director de films como "Las aventuras amorosas del joven Molière"; Molière, 2007), es una agradable película acerca de un niño travieso, Nicolás, en la Francia de principios de los 60. Está basada en el primer libro de una serie de gran éxito llamada así, "El pequeño Nicolás", que escribió el mítico René Goscinny (el creador, junto a Albert Uderzo, de "Astérix y Obélix") y el dibujante Jean-Jacques Sempé.

Ambos escribieron los libros "El pequeño Nicolás" (1960), "Los recreos del pequeño Nicolás" (1961), "Las vacaciones del pequeño Nicolás" (1962), "Los amiguetes del pequeño Nicolás" (1963) y "Joaquín tiene problemas" (1964). En 2004, Anne Goscinny, hija de René, entregó a Jean-Jacques Sempé una serie de historias cortas sobre Nicolás que su padre tenía guardadas y así, una vez ilustradas y adaptadas por Sempé, se publicaron los volúmenes "La vuelta al cole" (2004), "Diga" (2004), "El chiste" (2004), "Ojo con el pequeño Nicolás" (2006) y "El globo del pequeño Nicolás" (2009).

Lo que vemos en pantalla, procedente del primer libro, es el relato sobre un niño de 10 años que está preocupado porque su madre, según le ha parecido entender en una conversación de sus padres, está embarazada y, oyendo las experiencias de otros compañeros de clase que han tenido hermanitos, lo más probable es que sus progenitores, cuando llegue el bebé, pierdan todo interés en él y le abandonen en un bosque...

El director Laurent Tirard ha contado en "El pequeño Nicolás" con un reparto magnífico de grandes cómicos: Kad Merad, el padre de Nicolás, al que recordamos en "Bienvenidos al norte" (Dany Boon, 2008); Valérie Lemercier como la madre de Nicolás (la actriz y directora de "Palacio Real", 2006); Sandrine Kiberlain como la profesora de la clase de Nicolás (a la que vimos en "Usted primero"; Pierre Salvadori, 2006); y los niños que han sido bien seleccionados por Tirard y su equipo. Maxime Godart encarna a Nicolás y lo hace con bastante corrección, logrando el realizador que el chaval sea comedido en un papel ideal para desplegar, si se tiene, el histrionismo. Igualmente, están muy entonados los amigos de Nicolás: Aniano (Damien Ferdel), el sabihondo del colegio que protege lo primero las gafas cuando se meten con él; Alcestes (Vincent Claude), el gordito siempre dispuesto a apoyar a Nicolás; o Clotario (Victor Carles), el último de la clase, que logra después de enormes esfuerzos contestar correctamente a la pregunta de qué río pasa por París cuando el ministro de Educación en una visita al colegio se dirige a este chico que no sabe nada, no entiende nada y sólo quiere pasárselo razonable y pacíficamente bien dentro de su ignorancia supina.

Laurent Tirard utiliza a veces unos efectos visuales que cansan un poco y acercan "El pequeño Nicolás" al cómic o a la historieta clásica, lo que por otra parte no deja de ser coherente. Lo cierto es que esos recursos se perdonan sin más porque Tirard ha conseguido plasmar un ambiente encantador, de un pasado ideal en el que las cosas eran más inocentes y quizá más fáciles. Una dorada nostalgia que nos hace pasar un muy buen rato.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Le petit Nicolas". Dirección: Laurent Tirard. Guión: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron, Alain Chabat. Asesoramiento guión: Anne Goscinny. Basado en el libro homónimo de René Goscinny y Jean-Jacques Sempé. Intérpretes: Maxime Godart (Nicolás), Kad Merad(Padre de Nicolás), Velérie Lemercier (Madre de Nicolas), Vincent Claude (Alcestes), Charles Vaillant (Godofredo), Victor Carles (Clotario). Dirección de fotografía: Denis Rouden. Montaje: Valérie Deseine. Música: Klaus Badelt. Producción: Fidelité Films, Imav, Wild Bunch. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 90 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en francés. Premios: Nominada al Mejor Guión Adaptado en los Premios César del Cine Francés, 2010. Distribuidora: Vértigo. Estreno: 7 de mayo de 2010.

ESTRENO 30 de abril de 2010: 'WELCOME', UNA HERMOSA PELÍCULA DE AMOR Y CRÍTICA SOCIAL

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Welcome" es una extraordinaria cinta (mejor guión y premio del jurado joven en el Festival de Gijón) que narra la amistad de un socorrista de piscina (Vincent Lindon, intérprete de películas como "Caos"; Coline Serreau, 2001) en el Paso de Calais, frente a la costa británica, y un joven inmigrante kurdo-iraquí (Firat Ayverdi, actor no profesional francés) que quiere llegar a Inglaterra para reunirse con su novia. El director, Philippe Lioret (que ya exhibió su talento en films como "El extraño"; L'équipier, 2004, protagonizada por Sandrine Bonnaire) muestra con sensibilidad algunas de las vicisitudes que tienen que pasar estos seres nómadas que viajan en condiciones infrahumanas durante meses para llegar a su destino y conseguir, como mucho, un trabajo mal pagado y explotado.

Pero lo más importante de la película de Lioret es la maestría con que el cineasta parisino nos describe las personalidades de los dos protagonistas. El francés, un hombre triste tras el abandono de su esposa -que se dedica a ayudar a los inmigrantes ilegales (lo cual está prohibido en Francia)-, y el joven kurdo que, pese a todos los infinitos malos ratos que ha pasado en su viaje de tres meses desde Irak, es un ser inocente que piensa siempre que lo mejor está por venir y que todo es posible si lo intentas. Incluso cruzar a nado el Canal de la Mancha.

Poco a poco, "Welcome" nos va impresionando con esa historia de amor por partida doble que narra Philippe Lioret. Cómo va convenciéndonos en su tesis de que la vida no vale la pena si no se lucha por el amor, al que no se puede renunciar. Ese lazo de oro es el que une al francés de mediana edad, destrozado afectivamente, y al joven despierto a lo que le pueda ofrecer la vida, dando a cambio su limpieza de corazón.

Las obscenas leyes que, de prisa y corriendo, han formalizado los países del primer mundo para detener la incesante marea de personas que llegan hartas de que en sus países de origen se les niegue casi cualquier posibilidad de realizarse quedan en evidencia y descubren su verdadera faz ultraderechista por la que la igualdad (hablando de Francia) que promovió la Revolución de 1789 no es apta, de ninguna manera, para estos desharrapados.

Estamos deseosos también nosotros -como lo está el joven kurdo protagonista de esa vida futura llena de venturas- de imágenes y discursos positivos que nos ayuden a entender este drama inmundo del tráfico de personas. "Welcome" nos alienta a que busquemos el amor y la humanidad allá donde se encuentre y venga de donde venga, lo único que de verdad merece la pena en esta sórdida existencia de consumismo y crisis.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Welcome". Dirección: Philippe Lioret. Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam. Intérpretes: Vincent Lindon (Simon), Firat Ayverdi (Bilal), Audrey Dana (Marion). Dirección de fotografía: Laurent Dailland. Montaje: Andréa Sedlackova. Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar, Armand Amar. Producción: Nord-Ouest Productions, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 110 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Premio al mejor guión y premio del Jurado Joven en el Festival de Gijón, 2009; Premio Lux (valores europeos) del Parlamento Europeo, 2009. Distribuidora: Golem. Estreno: 30 de abril de 2010.

ESTRENO 23 de abril de 2010: 'QUE SE MUERAN LOS FEOS', LUMINOSA Y BIENINTENCIONADA COMEDIA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

La nueva película de Nacho G. Velilla (tras la graciosa "Fuera de carta", 2008, su primer film) es "Que se mueran los feos", homenajeando con el título aquella canción de los Sirex, grupo de los 60. Es un film luminoso, alegre. Intenta que el espectador pase un buen rato mientras va conociendo las tristezas de un hombre renco, feo (Javier Cámara, también protagonista de "Fuera de carta"), que desea enamorarse y ser correspondido. Sus amigos le toman el pelo, pero también le quieren. El cura moderno (Tristán Ulloa, el protagonista de "Un buen hombre"; Juan Martínez Moreno, 2009), el guapo oficial (Hugo Silva, estrenó en 2009 "Agallas", de Andrés Luque y Samuel Martín Mateos), el marido holgazán (Lluís Villanueva, en el reparto de "La soledad"; Jaime Rosales, 2007), la lesbiana que quiere tener un hijo (Ingrid Rubio, la vimos en "Salvador"; Manuel Huerga, 2006), la madre sufrida e insatisfecha (María Pujalte, una de sus últimas apariciones ha sido "Rivales"; Fernando Colomo, 2008), el ex hippy enfermo terminal con salud de hierro (Juan Diego, actor de films como "Casual Day"; Max Lemcke, 2007) y el bonachón del pueblo del que todos se ríen y él con ellos (Julián López, miembro de Muchachada Nui y actor de "Pagafantas"; Borja Cobeaga, 2009).

Con este grupo, Velilla compone un fresco regocijante de gente normal que trata de mirar las cosas desde el lado más amable, de vivir sin grandes agobios ni metas y sobre todo sin preocuparse de esa otra vida frenética y tan importante de la ciudad. La nómina de personajes la completa la cuñada del protagonista (Carmen Machi, protagonista de "Pájaros de papel"; Emilio Aragón, 2009), una mujer poco agraciada pero con un humor a prueba de bomba y muy romántica. Ella, con su sola presencia, consigue que todos los personajes mencionados reflexionen sobre lo que tienen y esperan de sus vidas y, de paso, luchen por encontrar un poco de amor.

"Qué se mueran los feos" se ve fenomenalmente bien, contiene unas actuaciones magníficas, una atmósfera bonita de pueblo lechero y una especie de magia escondida en el aire que viene a significar que es posible vivir sin tener siempre la cara descompuesta por la bilis. Delicioso cuento.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Que se mueran los feos". Dirección: Nacho G. Velilla. Guión: Oriol Capel, David S. Olivas, Nacho G. Velilla, Antonio Sánchez. Intérpretes: Javier Cámara (Eliseo), Carmen Machi (Nati), Juan Diego (Auxilio), Tristán Ulloa (Abel). Dirección de fotografía: David Omedes. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Música: Juanjo Javierre. Producción: Antena 3 Films, Producciones Aparte. Nacionalidad: España, 2010. Color, 93 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en Castellano. Premios: Festival de Málaga, sección oficial fuera de concurso. Distribuidora: Warner Bros Pictures International España. Estreno: 23 de abril de 2010.

ESTRENO 9 de ABRIL de 2010: 'LA ISLA INTERIOR', UN DRAMA DE ALTO VOLTAJE QUE NOS LLEGA MUY HONDO

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"La isla interior" es una película intensa, trágica, sobre una familia golpeada por el drama de la esquizofrenia. Los directores son Dunia Ayaso y Félix Sabroso, guionistas y realizadores de televisión (la serie "Mujeres", TVE, 2005), dramaturgos ("El hundimiento del Titanic", 2004) y autores de films como "Descongélate" (2003) o "Los años desnudos. Clasificada S" (2007). En los 90, con películas como "Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí" (1997) y "El grito en el cielo" (1998), fueron representantes de la llamada comedia petarda, pero su cine fue arrinconando esos intereses y adquiriendo un tono más sombrío que llega a su punto de ebullición en "La isla interior", donde logran provocarnos un nudo en el estómago que nos hace daño y al mismo tiempo nos gratifica.

La película (rodada y ambientada en Las Palmas de Gran Canaria, de donde son Ayaso y Sabroso) se apoya en las fenomenales actuaciones de Alberto San Juan (mejor actor en la Seminci de Valladolid y Goya al mejor intérprete por "Bajo las estrellas"; Félix Viscarret, 2007), Candela Peña (Goya a la mejor actriz por "Princesas"; Fernando León, 2005), Cristina Marcos (otra vencedora del Goya en 1994 con "Todos los hombres sois iguales"; Manuel Gómez Pereira), Geraldine Chaplin (con una larga carrera en el cine español -películas como "Ana y los lobos", Carlos Saura, 1972; o "En la ciudad sin límites"; Antonio Hernández, 2002, por la obtuvo el Goya a la mejor actriz de reparto), Celso Bugallo (el protagonista de "Cenizas del paraíso", José Antonio Quirós, 2008; y premio al mejor actor de reparto por "Mar adentro", Alejandro Amenábar, 2004) y Antonio de la Torre (actor premiado con el Goya al mejor secundario por "Azuloscurocasinegro"; Daniel Sánchez Arévalo, 2006).

San Juan es un escritor temeroso que no se decide nunca a irse de la casa paterna; Candela Peña encarna a una mujer enamorada de un hombre casado que la maltrata; Cristina Marcos es una actriz de culebrón televisivo que necesita tomar pastillas para mantener un cierto equilibrio mental y emocional. Todos ellos son manipulados por los padres, Chaplin y Bugallo, que con el pretexto de protegerles realmente les hacen la vida imposible.

"La isla interior" es una de las películas grandes del cine español de 2010. Es un film que merece tener un gran éxito por ser una apuesta de alto riesgo, por su excelente guión pivotado en los personajes de Alberto San Juan, Candela Peña y Cristina Marcos, por la sólida dirección de Dunia Ayaso y Félix Sabroso, que no se permiten la menor concesión en una narración absorbente y volcánica. Habla de nosotros, de los que sufrimos a diario las agresiones "inocentes" de los demás y nos pillan siempre a contrapié para intentar defendernos. Si lo tomamos así, se convierte "La isla interior" en un viaje íntimo que agradecemos desde nuestras más sentidas lágrimas.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "La isla interior". Dirección y guión: Dunia Ayaso y Félix Sabroso. Intérpretes: Alberto San Juan (Martín), Candela Peña (Coral), Cristina Marcos (Gracia), Antonio de la Torre (Iván). Dirección de fotografía: Juan A. Castaño. Montaje: Ascen Marchena. Música: Lucas Vidal. Producción: Mecanismo Films, Ayaso y Sabroso PC, La Mirada Producciones. Nacionalidad: España, 2009. Color, 93 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en Castellano. Premios: Mejor Actor (Alberto San Juan) en el Festival de Valladolid, 2009, Premio 'Julio Verne' en el Festival de Cine Español de Nantes, 2010. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 9 de abril de 2010.

Abrimos una nueva sección del blog, LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE, con la intención de echar una mirada al pasado. Películas antiguas o recientes que son una apuesta segura, o atractiva, cuando nos decidimos a visionarlas en dvd. Porque es posible soñar y deleitarse en cualquier formato y en cualquier sala.

LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE

'CASABLANCA', MUCHO MÁS QUE UNA PELÍCULA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 24 de marzo de 2010

Esta genial película de 1942 supuso el encumbramiento de sus estrellas: Humphrey Bogart (que, después de su etapa de secundario en los 30, ya había sido protagonista de dos films negros, "Él último refugio", High Sierra; Raoul Walsh, 1941; y "El halcón maltés", The Maltese Falcon; John Huston, 1941) e Ingrid Bergman (la actriz sueca musa de Alfred Hitchcock en films como "Encadenados", Notorious, 1946). Una película dirigida con oficio y agilidad por Michael Curtiz, húngaro de nacimiento, 1886, y llegado a Hollywood en 1926, donde haría películas como "El capitán Blood", Captain Blood, 1935; o "Las aventuras de Huckleberry Finn", The Adventures of Huckleberry Finn, 1960.

Los guionistas de "Casablanca", los hermanos Julius y Philip Epstein (entre sus guiones está "Arsénico por compasión", Arsenic and Old Lace; Frank Capra, 1944) y Howard Koch (firmó el guión de "La carta", The Letter; William Wyler, 1940) lograron hilvanar con magia una historia (basada en la obra teatral "Everybody Comes to Rick's", de Murray Burnett y Joan Alison) en la que había romance, aventura, idealismo y lucha contra el nazismo, pues el film se hizo en plena Segunda Guerra Mundial.

Al Café de Rick (Bogart) en Casablanca, llegan los más pintorescos personajes, huidos de Europa que esperan el momento propicio para volar a América: burgueses represaliados, gente común sin patria, jugadores, ladrones, mujeres hermosas y los gendarmes de la policía francesa del Gobierno pronazi. El capitán Louis Renault (Claude Rains, un actor siempre secundario en films como el citado "Encadenados") tiene una peligrosa relación con Rick en la que ninguno de los dos descubre sus verdaderas cartas sobre de qué lado está en la guerra. Una noche, se presenta en el glamuroso local Ilsa (Ingrid Bergman), amor de Rick y casada con un líder de la Resistencia (Paul Henreid). Rick se debate, al volver a ver a Ilsa, entre su despecho y la necesidad de tomar partido cuando un importante oficial nazi, el mayor Strasser (Conrad Veidt) llega al café y declara su intención de agilizar la detención de todos los activistas contra la ocupación.

"Casablanca" está llena de maravillosos personajes que deambulan por el café casino de Rick. El "maître" Carl (S.Z. Sakall, al que vimos en films como "Bola de fuego", Ball of Fire; Howard Hawks, 1941) que admira profundamente a Rick y es miembro de la Resistencia; el taimado delincuente Ugarte (Peter Lorre, actor alemán de, entre otras, "El halcón maltés"), el gordo dueño del café "El Loro Azul", señor Ferrari (Sidney Greenstreet, también en el reparto de "El halcón maltes"), que quiere comprar el local de Rick y tiene, como todos, contactos con el contrabando de cualquier clase y la clandestinidad; y Sam (Dooley Wilson), el pianista del café y cantante de la inmortal "As Times Goes By", el fiel ayudante de Rick, testigo del amor de su jefe e Ilsa cuando los alemanes conquistaron París y tuvieron que huir a toda prisa en el tren rumbo a Marsella.

Uno sigue emocionándose cuando ve y oye "La Marsellesa", interpretada por la orquesta y cantada por el público del café como símbolo de la libertad, la fraternidad y la igualdad, haciendo callar a las voces de los militares alemanes que entonan una loa nazi. Continúa siendo desbordante la secuencia final en el aeropuerto y el juego de miradas entre Rick, Ilsa, el marido de ésta, el prefecto Louis Renault y el mayor nazi. Cómo se decide el futuro de los personajes en unos pocos segundos mientras el avión en el que algunos huirán de la guerra está a punto de despegar.

"Casablanca" es una de esas películas que certifica la grandeza de Hollywood como creadora de sueños, de humanidad y energía para combatir desde cualquier posición a los enemigos de la vida y la libertad de cada cual. El aficionado no tendrá problemas (ver en la ficha técnica y artística) para conseguir un dvd de buena calidad de este film que nos hace ser más felices, más merecedores de lo que está escrito con letras de oro en nuestro corazón.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Casablanca". Dirección: Michael Curtiz. Guión: Julius y Philip Epstein, Howard Koch. Basado en en la obra teatral "Everybody Comes to Rick's", de Murray Burnett y Joan Alison. Productor: Hal B. Wallis. Intérpretes: Humphrey Bogart (Richard, "Rick", Blaine), Ingrid Bergman (Ilsa Lund), Claude Rains (Louis Renault), Paul Henreid (Victor Laszlo). Dirección de fotografía: Arthur Edeson. Montaje: Owen Marks. Música: Max Steiner, canción "As Times Goes By", de Herman Hupfeld. Producción: Warner Bros. Nacionalidad: EE UU, 1942. Blanco y Negro, 102 minutos. V.O . en inglés. Premios: Oscar a la mejor película, director y guión adaptado. Nominaciones al mejor actor (Humphrey Bogart), actor de reparto (Claude Rains), fotografía, montaje y música. Estreno: 26 de noviembre de 1942, en Nueva York. Edición en DVD: 9.95 euros; formato blu-ray: 21,95 euros (tiendas Fnac, precios de marzo 2010).

ESTRENO 5 de MARZO de 2010: 'CORAZÓN REBELDE', HERMOSA HISTORIA DE UN HOMBRE LIBRE

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Corazón rebelde" es la primera y excelente película de Scott Cooper (actor secundario de películas como "Dioses y generales"; Ronald F. Maxwell, 2003) y amigo de Robert Duvall (el gran actor de films como "El Padrino" 1 y 2; Francis Ford Coppola, 1972, 1974), productor de la cinta. Está protagonizada por Jeff Bridges (el memorable intérprete de "El gran Lebowski"; Hermanos Coen, 1998, y ahora nominado al Oscar al mejor actor por este papel). Encarna a un viejo cantante de country que no se amolda a las reglas de la industria musical y no tiene más remedio que deambular de un lugar a otro por la gran geografía del suroeste de EE UU, actuando por unos pocos dólares. En Santa Fe (Nuevo México) conoce a una periodista (Maggie Gyllenhaal, la actriz de películas como "Más extraño que la ficción"; Marc Forster, 2006, y, como Bridges, nominada al Oscar a la mejor intérprete de reparto) de la que se enamora. Ese amor que no esperaba choca con su arriesgado ritmo de vida bebiendo siempre más de la cuenta y cada vez más desencantado.

La película contiene grandes canciones, debidas a la inspiración de T Bone Burnett (compositor de bandas sonoras como la de "O Brother!", Hermanos Coen, 2000), Stephen Bruton, artista tejano fallecido antes de que se estrenara el film, y Ryan Bingham, emergente cantante del nuevo country-rock que ha compuesto el tema "The Weary Kind", nominado al Oscar a la mejor canción. Por si fuera poco, hay en "Corazón rebelde", una colaboración especial de Colin Farrell (el actor irlandés al que hemos visto recientemente en "Triage", Danis Tanovic, 2009) como el discípulo joven y famoso de Bad Blake, el personaje de Jeff Bridges.

Las carreteras de Nuevo México, Arizona, Tejas, la magia de ese paisaje inmenso, se abren para nosotros en "Corazón rebelde", siendo el marco perfecto para esta historia de redención que nos hará pasar un buen rato.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Crazy Heart". Dirección y guión: Scott Cooper. Basado en la novela homónima de Thomas Cobb. Intérpretes: Jeff Bridges (Bad Blake), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Robert Duvall (Wayne), Ryan Bingham (Tony), Colin Farrell (Tommy Sweet). Dirección de fotografía: Barry Markowitz. Montaje: John Axelrad. Música: T Bone Burnett, Stephen Bruton, Ryan Bingham. Producción: Informant Media, Butcher's Run Films. Nacionalidad: EE UU, 2009. Color, 112 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en inglés. Premios: Nominada al Oscar al mejor Actor (Jeff Bridges), mejor actriz de reparto (Maggie Gyllenhaal) y mejor canción ("The Weary Kind", de Ryan Bingham), Globo de Oro al mejor actor (Jeff Bridges), mejor canción ("The Weary Kind"). Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno: 5 de marzo de 2010.