ESTRENOS SEPTIEMBRE 2010
(Puntuación: 5, gran película. 4, muy buena. 3, buena. 2, interesante. 1, regular. 0, mala.)

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Sumario: 'Conocerás al hombre de tus sueños' (27 de agosto), 'Lope' (3 de septiembre), 'Bright Star' (3 de septiembre), 'Contracorriente' (17 de septiembre)

'CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS'(4)

OTRA GRAN PELÍCULA DE WOODY ALLEN

Género: Comedia dramática.

Sinopsis:

En Londres, un hombre se separa de su mujer tras toda una vida juntos. Se enamora de una call girl y se casa con ella. Su mujer entabla relación con una pitonisa y sus acólitos. Quiere arreglar su vida y la de los demás. La hija de ambos tiene problemas en su matrimonio. El marido es un escritor frustrado que se enamora de la vecina de la ventana de enfrente de su piso. La hija entra a trabajar en la galería de un marchante sofisticado, y se enamora de él. Pero, en realidad, las nuevas relaciones de todos no van todo lo bien que debieran.

Lo que vamos a encontrarnos:

Extraordinaria nueva cinta de Woody Allen que ha escogido un tono más dramático, chejoviano, para este film en el que trenza tres historias principales a cual mejor que encierran una moraleja amarga pero real sobre la felicidad y la plenitud. El sentirse en paz con uno mismo. Allen, año tras año, desacraliza el cine y demuestra que rodar es tan natural como hablar. Escribir y crear como un acto libre y mágico. Nuevamente, le damos las gracias por esta bella película.

FICHA TÉCNICA YARTÍSTICA

Título original: "You Will Meet a Tall Dark Stranger". Dirección y guión: Woody Allen. Producción: Stephen Tenenbaum, Jaume Roures, Letty Aronson. Fotografía: Vilmos Zsigmond. Montaje: Alisa Lepselter. Intépretes: Josh Brolin (Roy), Anthony Hopkins (Alfie), Naomi Watts (Sally), Gemma Jones (Helena), Antonio Banderas (Greg), Freida Pinto (Dia), Lucy Ponch (Charmaine). Formato: 1: 1,85. Duración: 98 min. V.O en inglés. Nacionalidad: EE UU-España, 2010. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 27 de agosto.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=8FNPj65Scxw

'LOPE' (4)

ESPLENDOR DE UN LOPE DE VEGA JOVEN

Género: Drama romántico de aventuras.
Sinopsis:

Primeros años del Siglo XVII. Lope de Vega es un joven soldado que quiere ser escritor. Compone versos con una facilidad asombrosa y rápidamente escribe su primera obra de teatro. Va a ver a un famoso dramaturgo y promotor teatral, pero no lo quiere recibir. Su hija se queda prendada de él y así entra a trabajar para el veterano hombre de teatro pero pronto se independiza. Otra joven también ama a Lope y éste entre trabajos alimenticios y deudas trata de conquistar una fama que le resulta esquiva. Acusado de un grave delito, tiene que huir, pero es detenido a punto de embarcar en Lisboa para las Indias.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película pequeña, sugerente, bien urdida, con excelentes actuaciones del joven Alberto Ammann, tras su éxito en "Celda 211", de Daniel Monzón, y también de las bellas actrices Pilar López de Ayala (que ganó un Goya por "Juana La Loca"; Vicente Aranda, 2000) y Leonor Watling (la gran actriz de films como "Son de paz"; Bigas Luna, 2001). "Lope", dirigida por el brasileño Andrucha Waddington (en 1999 debutó en el largometraje con "Gêmeas") no pretende ser un biopic de toda la inabordable vida de Lope de Vega, que escribió miles de obras y ha quedado como una de las figuras más señeras del Siglo de Oro (entre las obras que escribió están "Fuenteovejuna", 1619; o "El perro del hortelano", 1618, que Pilar Miró llevó al cine en 1996). Su apuesta es mucha más modesta y a la par ambiciosa, porque ha captado la poesía y el encanto de un hombre sin igual y toda la pasión de un joven fénix de los ingenios, como se apodaba al escritor, hombre ducho con la espada, lo cual se plasma en unas secuencias de acción que no están nada mal. Magnífica cinta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección: Andrucha Waddington. Guión: Jordi Gasull, Ignacio del Moral. Fotografía: Ricardo Della Rosa. Diseño de producción: César Macarrón. Montaje: Sergio Mekler. Música: Fernando Velázquez. Intérpretes: Alberto Ammann (Lope), Leonor Watling (Isabel), Pilar López de Ayala (Elena), Juan Diego (Jerónimo Velázquez), Luis Tosar (Fray Bernardo), Antonio de la Torre (Juan). Producción: Antena 3 Films, El Toro Pictures... Formato: 1: 2, 35. Duración: 109 min. Nacionalidad: España, 2010. Premios: Sección Oficial (fuera de concurso) del Festival de Venecia, 2010. Distribuidora: Hispano FoxFilm. Estreno: 3 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/user/lopepelicula?v=Z4VjK4OUkjI&feature=pyv&ad=5531210848&kw=lope

'CONTRACORRIENTE' (4)
GRAN ÓPERA PRIMA PERUANA

Género: Drama.

Sinopsis:
En una zona costera de Perú, un pintor se enamora de un pescador. Éste no quiere reconocer esta relación homosexual porque está casado y el pequeño pueblo cercano no aceptaría de ninguna manera esta inclinación. El pintor muere en un accidente y él sigue viéndolo en sueños. Esconde el cuerpo en una zona rocosa. Acuciado por las circunstancias, tomará una difícil decisión.

Lo que vamos a encontrarnos:
Una película emocionante, muy sensual y libre. En ningún momento el director (el debutante peruano Javier Fuentes-León) pierde el pulso de lo que está contando y logra con facilidad tanto el drama como los aspectos fantásticos de una relación con un muerto. El ambiente de la pequeña aldea de pescadores está bien reflejado, gente muy pobre y, como todo lugar pequeño, inclinado a la maledicencia. Una excelente película y gran cine de autor.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Javier Fuentes-León. Producción: Rodrigo Guerrero, Javier Fuentes-León. Fotografía: Mauricio Vidal. Montaje: Roberto Benavides, Philip J. Bartell. Música: Selma Mutal. Intérpretes: Manolo Cardona (Santiago), Cristian Mercado (Miguel), Tatiana Astengo (Mariela). Duración: 100 min. Nacionalidad: Perú-Francia, 2009. Premios: Premio del Público en el Festival de Sundance, 2010, Premio del Público en el Festival Latino de Chicago, 2010, Premio del Público en el Festival de Miami, 2010. Distribuidora: Karma. Estreno: 17 de septiembre.
Tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=4497MOjvZxM

'BRIGHT STAR' (3)
EL CINE SIEMPRE INTERESANTE DE JANE CAMPION

Género: Drama de época.

Sinopsis:
El poeta John Keats va a vivir a la casa de campo de una atractiva joven. Se enamoran, pero Keats carece de dinero. Ella le admira profundamente y desea su amor. Keats enferma de tuberculosis. Entre algunos amigos, le sufragan un viaje a Italia para ver si recupera fuerzas con el sol de Nápoles.

Lo que vamos a encontrarnos:

Una bella película de Jane Campion, que sigue los pasos de "El piano" (The Piano, 1994) o "Retrato de una dama" (Portrait of a Lady, 1996). La directora australiana tiene una capacidad innata para extraer romanticismo y poesía de cualquier situación, sin caer en la cursilería. "Bright Star" lo logra con creces y salimos del cine encantados de seguir al tanto de la carrera de esta indispensable cineasta.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección y guión: Jane Campion. Producción: Pathé, Screen Australia, BBC Films y UK Film Council. Fotografía: Greig Fraser. Montaje: Alexander de Franceschi. Música: Mark Bradshaw. Intérpretes: Abble Cornish (Fanny Brawne), Ben Whishaw (John Keats), Paul Schneider (Mr. Brown). Formato: 1: 1, 85. Color, 119 min. V.O. en inglés. Nacionalidad: Reino Unido-Australia-Francia. Distribuidora: Vertigo. Estreno: 3 de septiembre
Ver tráiler en http://www.youtube.com/watch?v=Ix68zq6jiJg&feature=fvst

ESTRENO 8 de JULIO de 2010: 'GAINSBOURG (VIDA DE UN HÉROE)', GRAN DEBUT DEL CREADOR DE CÓMICS JOANN SFAR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Gainsbourg (vida de un héroe)" es una gran película del debutante Joann Sfar (1971), famoso dibujante francés de cómics como "El gato del rabino" (2003). El film se basa en la vida del músico y playboy Serge Gainsbourg (1928-1991) que tuvo amantes tan conocidas como la musa de los existencialistas Juliette Gréco o la sex symbol del cine Brigitte Bardot y estuvo casado con la actriz y cantante Jane Birkin (ambos son los padres de la conocida intérprete y músico Charlotte Gainsbourg) con la que lanzaría el hit erótico "Je t'aime... moi non plus", una canción de 1969 que provocó toda una moda de temas insinuantes en torno al coito.

Sfar ha contado la vida de Gainsbourg (desde su niñez con la estrella amarilla de judío cosida en su chaqueta durante la ocupación alemana de París, hasta su última madurez de artista en los 80) como si fuera una aventura, lejos del habitual biopic de una vida más o menos brillante. Ha incorporado a un personaje fantástico en forma de pájaro que sirve de pantalla para las dudas que va teniendo Gainsbourg (encarnado por el desconocido en España Eric Elmosnino, que guarda un gran parecido con el músico) antes de arriesgarse a ser "alguien". Ese alguien consistente que resultó ser Gainsbourg, un personaje que quiso dedicarse a la pintura (su apellido real era Ginzburg, pero lo cambió a Gainsbourg en honor al pintor inglés dieciochesco Thomas Gainsborough), que componía bonitas melodías, fumaba todo el tiempo, provocaba siempre que se le antojaba y fornicaba bastante porque, ante todo, adoraba a las mujeres y ellas, pese a que no era bien parecido, le adoraban a su vez, ya que tenía esa mezcla de descaro e inocencia irresistibles que las intrigaba.

Serge Gainsbourg compuso canciones tan conocidas como "Poupée de cire, poupée de son", tema que cantó France Gall, logrando ganar el Festival de Eurovisión de 1965, en una etapa muy diferente a la actual evolución del certamen. Otros temas famosos de Gainsbourg fueron: "Accordéon" (para Juliette Gréco), "Harley Davidson" (para Brigitte Bardot), "Les sucettes" (para France Gall) o "Comment te dire adieu" (Françoise Hardy).

Aunque el espectador no sepa nada o muy poco de este formidable artista, el ver "Gainsbourg, (vida de un héroe)" nos gratificará porque es una película diferente y moderna, plena de ritmo y agilidad, de sugerencia. Nos brinda un verdadero modelo de héroe, puesto que Gainsbourg no tenía miedo de ser cómo el era en ese interior que Sfar visualiza en forma de pájaro andante y ante todo audaz. Mucho nos tememos que esa sinceridad, digan lo que digan, sólo es capaz de llevarla a cabo gente que se puede contar con los dedos de una mano.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Gainsbourg, vie héroique". Dirección y guión: Joann Sfar. Intérpretes: Eric Elmosnino (Serge Gainsbourg), Laetitia Casta (Brigitte Bardot), Lucy Gordon (Jane Birkin), Anna Mouglais (Juliette Gréco). Dirección de fotografía: Guillaume Schiffman. Montaje: Maryline Monthieux. Música: Olivier Daviaud. Diseño criatura y efectos especiales: David Marti. Producción: One World Films, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2010. Color, 130 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Gala de Inauguración del Cinema Jove, Festival Internacional de Valencia, 2010. Distribuidora: Avalon. Estreno: 8 de julio de 2010.

DENNIS HOPPER, IN MEMORIAM

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS
UN POCO DE CINE. 11 de junio de 2010

La reciente muerte de Dennis Hopper (Dodge City, Kansas, 1936-Venice Beach, California, 2010) engrosa la lista de víctimas y damnificados de los gloriosos iconos de los 60. Se fueron muy pronto de una u otra manera el Che Guevara, John y Robert Kennedy, Martin Luther King, Jimi Hendrix, Janis Joplin... más tarde John Lennon y tantos otros que representaron de diferentes formas un sueño de libertad. Se nos derrotó con todas las de la ley, no importa si estuvimos o no, en las calles de París en Mayo del 68, en la culminación desgraciada de la Primavera de Praga, en la Plaza ensangrentada de las Tres Culturas de México D.F., ese mismo 1968. La contracultura, mientras seguía perdiendo batallas a lo largo de las siguientes décadas, fue desapareciendo como el agua por una alcantarilla.

Hopper, actor desde su adolescencia en películas como "Rebelde sin causa" (Rebel Without A Cause; Nicholas Ray, 1955) o "Gigante" (Giant; George Stevens, 1956) -protagonizadas ambas por otro ilustre vencido, James Dean-, se empapó de la cultura del rock and roll en los 50 y con la generación hippy explotó como cineasta en un film libre y hermoso: "Easy Rider" (1969). Él lo protagonizó junto a Peter Fonda y a un entrañable Jack Nicholson que daba el salto a la fama encarnando a un abogado sureño bebedor que viajaba por EE UU con sus dos psicodélicos compañeros moteros en busca de conocimiento, libertad y amor. "Easy Rider" (con música de los Byrds, Steppenwolf, Bob Dylan, The Band) fue un vehículo sublime para amplificar la rebelión contra el establishment que se estaba gestando. Una película que tenía mucho sentido del humor, aunque, según avanzaba el metraje, se convertía en una tragedia sin paliativos a consecuencia del conservadurismo de la gente del pueblo de la América profunda, que Hopper mostraba descarnadamente, y su modo de pensar tendente a suprimir lo diferente o lo desprejuiciado. "Easy Rider" contribuyó a que mucha gente se interesara de pronto por la cultura pop, por las puertas de la percepción que invocaban las drogas, y fue una gota más, acompañada de las revueltas y las reivindicaciones pacifistas que reclamaban los jóvenes contestatarios -sobre todo, de rango universitario-, que decidió al Gobierno de EE UU, y en mayor o menor medida al resto de países desarrollados u occidentales, a ir desmontando sutilmente este proceso de destrucción de la sociedad que representaban sin gran claridad de ideas estos grupos antiautoritarios.

Hopper, como tantos otros en sus propios caminos de liberalización, no supo seguir la estela pseudo revolucionaria de "Easy Rider". Rodaría un film surrealista en Perú, "The Last Movie" (1971) que, a propósito de un especialista en escenas arriesgadas (stuntman) que vivía una historia de amor y se involucraba en las luchas intestinas en un poblado andino, venía a ser como un trayecto convulso e iniciático por los efectos de los narcóticos, y fue condenada al olvido. Después, Hopper certificó con su poderosa encarnación de Tom Ripley (el emblemático asesino siempre en guerra consigo mismo que Patricia Highsmith creó en una serie de novelas: "El talento de Mr. Ripley", 1955; "La máscara de Ripley", 1970; "El juego de Ripley"-El amigo americano-, 1974; "Tras los pasos de Ripley", 1980; y "Ripley en peligro", 1991 ) en "El amigo americano" (The American Friend; Wim Wenders, 1977), ese ambiente de desencanto y tristeza por el final del sueño que Lennon ya había anunciado a principios de los 70.

Para concluir esta etapa, Hopper intervino en "Apocalypse Now" (Francis Ford Coppola, 1979) en la que encarnaba a un fotógrafo imbuido también de los preceptos de la contracultura -en otra prueba más de esa derrota inapelable de la que hablamos y que abarcó un buen número de films de los 70 (citemos "Pat Garrett y Billy the Kid", Sam Peckinpah, 1973; o "El cazador", Michael Cimino, 1978)- que vivía en la selva vietnamita atiborrado de alucinógenos y sin capacidad de respuesta ante el espanto que cada día creaba un oficial norteamericano desertor (Marlon Brando), de otra manera igualmente víctima del sueño contracultural, convirtiendo su dominio selvático en un santuario de sangre, locura y poesía.

A su modo, siempre lúcido y coherente, Hopper volvió a ponerse detrás de las cámaras para ofrecer "Caído del cielo" (Out of the Blue, 1980), que protagonizó junto a Sharon Farrell. Una película demoledora sobre una pareja de fracasados con una hija adolescente que ven cómo se deshacen las cosas que tenían, el amor, su clase de vida en el que querían seguir creyendo. Neil Young prestó para el film uno de sus temas más testimoniales de esa dureza nihilista que se palpaba de finales de los 70 ("My My, Hey Hey, out of the blue") y que sintonizaba con el sentimiento punk (la hija de los protagonistas de "Caído del cielo" era fan de Johnny Rotten, cantante de Sex Pistols), violento o al menos arisco, entonces en su apogeo, que negaba y despreciaba los ideales de los 60.

En los 80, Dennis Hopper sacó partido de su fama de maldito y primero fue en "La ley de la calle" (Rumble Fish, 1983) un padre nada ejemplar pero comprensivo con unos hijos que vivían la pesadilla que era enfrentarse a la realidad después de la esperanza de cambio de unos años antes. También se especializó en malos posmodernos que dejaban huella como el perverso mafioso de "Terciopelo azul" (David Lynch, 1985) o el villano apocalíptico de "Waterworld" (Kevin Reynolds, 1996). Como cineasta, Hopper optó por hacer films que plasmaban una atmósfera agria y turbadora -a lo que quizá se ha reducido el american dream tras los excesos buenos y malos de los 60, con la amenaza del sida recortando al mínimo las conquistas en el terreno sexual y la vuelta a las drogas que nunca se fueron, el alcohol y el tabaco, amplificadas por la sustancia yuppy por excelencia, la cocaína-, que dejaban claro el terror ambiental ultrarreaccionario de los nuevos tiempos. Dos de esas películas que firmó Hopper y captaban dichas directrices fueron "Colors" (Colores de guerra, 1988), protagonizada por Sean Penn y Robert Duvall, que reflejaba la lucha de dos patrulleros contra la mafia de Los Ángeles; y "Labios Ardientes" (The Hot Spot, 1990, con Don Johnson y Virginia Madsen, que, en un thriller tórrido de ambiente tejano, insistía en que las soluciones felices sólo eran posibles, y con muchos peros, a una escala individual o de pareja, de puertas adentro, protegidos de la peligrosa intemperie.

Descanse en paz este visionario que creyó en un mundo mejor y fue arrasado, arrastrado por el fango -dan más o menos igual las metáforas- como nos ha pasado a todos los que no siguieron ni seguimos la doctrina eterna de Bush y sus anteriores encarnaciones y las leyes del terrorismo de unos y de otros (no hace falta empuñar una pistola o ser un suicida cargado de explosivos para ser miembro de este club de genocidas que pueden pulverizarte con un movimiento especulativo en bolsa) post-11S.

Te recordaremos con cariño, Dennis. Por ejemplo, en la piel de Tom Ripley en "El amigo americano", pronunciando esta frase ante una grabadora:

"No hay nada que temer, salvo al miedo mismo".

ESTRENO 28 de mayo de 2010: 'RABIA', UNA GRAN PELÍCULA EN LA SOLEDAD DE UN CASERÓN

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Triunfadora en el Festival de Málaga (Biznaga de Oro a la mejor película), "Rabia", del ecuatoriano Sebastián Cordero (su anterior film fue "Crónicas", 2004) es una cinta perturbadora y poderosa que transcurre en un caserón norteño donde se esconde un inmigrante sudamericano (Gustavo Sánchez Parra, actor mexicano que destacó en "Amores perros"; Alejandro González Iñárritu, 2000) tras matar en un accidente al capataz de la obra en la que trabajaba. Allí, escondido en el desván de la gran casa, observa la vida de la familia Torres y de su amor, la criada (Martina García, intérprete colombiana que acaba de protagonizar junto a Javier Bardem "Biutiful"; Alejandro González Iñárritu, 2010). Nadie sabe de su presencia en la vivienda, pero es algo más que una amenaza palpable cuando alguien hace algo malo a su querida.

"Rabia" está basada en una novela del argentino Sergio Bizzio (Villa Ramallo, 1956), que ganó en 2004 con la obra el premio Internacional de Novela de la Diversidad (Cartagena, España), y está producida por, entre otros, Guillermo del Toro (el director de "El laberinto del fauno", 2006). Cordero trasladó la acción de la novela a España y ha contado en el reparto, además de los protagonistas, con Concha Velasco (la gran actriz de películas como "Pim, pam, pum... ¡fuego!; Pedro Olea, 1975) y Xavier Elorriaga (entre sus papeles destacados, está "El hombre de moda"; Fernando Méndez Leite, 1980), que son los dueños del caserón, y los hijos, Álex Brendemühl (mejor actor de reparto en Málaga y protagonista de films como "Las horas del día"; Jaime Rosales, 2003) e Icíar Bollaín (actriz de películas como "Tocando fondo"; José Luis Cuerda, 1993; y realizadora consagrada con cintas como "Te doy mis ojos", 2003, Goya a la mejor película y a la mejor dirección).

"Rabia" nos mantiene en tensión en la butaca y no abandona en ningún momento su vocación intimista y su dífícil equilibrio entre el terror, el thriller, y el drama. Además, es como un cuento absorbente en el que, pese a su trasfondo trágico, nos sentimos a gusto, disfrutando de la tétrica y evocativa atmósfera que ha bordado Sebastián Cordero.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Rabia". Dirección: Sebastián Cordero. Guión: Sebastián Cordero. Basado en la novela homónima de Sergio Bizzio. Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra (José María), Martina García (Rosa), Concha Velasco (Elena Torres), Xavier Elorriaga (Edmundo Torres). Dirección de fotografía: Enrique Chediak. Montaje: David Gallart. Música: Lucio Godoy. Producción: Tequila Gang, Telecinco. Nacionalidad: España-México-Colombia, 2009. Color, 90 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en castellano. Premios: Biznaga de Oro a la mejor película, mejor actor de reparto (Álex Brendemühl), mención especial al mejor actor (Gustavo Sánchez Parra), mejor fotografía en el Festival de Cine Español de Málaga, 2010. Distribuidora: Wanda. Estreno: 28 de mayo de 2010.

LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE

'EL TESORO DE SIERRA MADRE', LA LUZ INCANDESCENTE DE UNA GRAN PELÍCULA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 13 de mayo de 2010

"El tesoro de Sierra Madre" es una de esas películas clásicas que se te adhieren a la piel y ya siempre van contigo. John Huston (el gran director de films como "El halcón maltes", The Maltese Falcon, 1941; "La jungla de asfalto", The Asphalt Jungle, 1950; "Vidas rebeldes", The Misfits, 1961; o "El hombre que pudo reinar", The Man Who Would Be King, 1975) narra con grandeza una historia (basada en la novela de Bruno Traven, enigmático escritor alemán que se afincó en México en los años 20, donde publicó en 1927 "El tesoro de Sierra Madre") de hombres fracasados en la que la poesía, la tragedia, la condición humana y el amor se dan la mano y nos dejan una sensación hermosa, como si fuéramos más jóvenes y más puros después de ver esta gema del cine. Humphrey Bogart, en la cima de su éxito (tras protagonizar films como "Casablanca", Michael Curtiz, 1942; o "El sueño eterno", The Big Sleep, Howard Hawks, 1946), encarna a un personaje mezquino obnubilado por el oro. A su lado, Tim Holt (le vimos en "Pasión de los fuertes", My Darling Clementine, John Ford, 1946) es un hombre inocente y sin suerte, y Walter Huston, el padre de John (fue nominado al Oscar al mejor actor en 1936 por "Desengaño", Dodsworth, William Wyler, 1936), interviene en un papel maravilloso de un tipo que ha buscado durante toda su vida el hechizante metal amarillo, siempre de un lado para otro, y que conoce en esa búsqueda de qué está hecha la existencia y lo que en rigor se puede esperar de ella.

Dobbs (Bogart) y Curtin (Holt) son dos hombres desesperados en un México en el que caminan juntos la pobreza más extrema y la riqueza. Hambrientos, piden por las calles (Bogart, en uno de los planos del comienzo de la película, mendiga al potentado John Huston), les engañan con trabajos que no cobran hasta que en un centro de acogida oyen decir a un viejo, Howard (Walter Huston), que en unas montañas más o menos cercanas puede haber oro. A duras penas, compran el equipo necesario y efectivamente encuentra oro, pero ahí comienzan los problemas. Cuando llega otro norteamericano (Bruce Bennett), también en busca de oro que saque de apuros a su esposa e hijo que viven en Texas, la codicia estalla y le sentencian a muerte, a pesar de que éste les ayuda a combatir a unos bandidos. Dobbs/Bogart, enfermo por el calor y la fiebre de una riqueza que jamás alcanzó, pierde la razón mientras el viejo Howard ayuda a unos campesinos, pues es médico, a curar a un niño. Le tratan como a un rey en su poblado y él, en la última vuelta del camino de su vida, se siente feliz. Bogart ha intentado matar a su compañero Curtin y vuelve enloquecido de las montañas, pero es asaltado y lo asesinan. El viento esparce el oro que llevaba en las alforjas de los burros de carga. Cuando Howard y Curtin ven lo que ha pasado, deciden ser realistas. El viejo, que ha encontrado algo seguro y placentero, regresa con los campesinos y aconseja al compañero de Bogart que visite a la guapa viuda del tejano fallecido; le vendrá bien una mano amiga ya que casi es tiempo de cosecha.

"El tesoro de Sierra Madre" tiene un ritmo lento, sosegado, luminoso; casi cualquier secuencia parece el fragmento de un bello poema épico-lírico en el que está escrita nuestra alma sedienta de aventuras y redención, de amor y humanidad. Con pélículas como ésta, merece la pena glorificar ese invento de barracón de feria memoria después del siglo XX y ahora cada vez más tecnificado y diversificado que es el cine.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "The Treasure of the Sierra Madre". Dirección: John Huston. Guión: John Huston. Basado en la novela homónima de Bruno Traven. Productor: Henry Blanke. Intérpretes: Humphrey Bogart (Fred Dobbs), Tim Holt (Tim Curtin), Walter Huston (Howard), Bruce Bennett (Cody). Dirección de fotografía: Ted McCord. Montaje: Owen Marks. Música: Max Steiner. Producción: Warner Bros. Nacionalidad: EE UU, 1948. Blanco y Negro, 126 minutos. V.O . en inglés. Premios: Oscar al mejor director, guión adaptado y actor de reparto (Walter Huston). Estreno: 24 de enero de 1948, EE UU. Edición en DVD: 8,95 euros (tiendas Fnac, precios de mayo 2010).

ESTRENO 7 de mayo de 2010: 'EL PEQUEÑO NICOLÁS', ENCANTADORA NOSTALGIA DE UN TIEMPO MEJOR

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"El pequeño Nicolás", de Laurent Tirard (director de films como "Las aventuras amorosas del joven Molière"; Molière, 2007), es una agradable película acerca de un niño travieso, Nicolás, en la Francia de principios de los 60. Está basada en el primer libro de una serie de gran éxito llamada así, "El pequeño Nicolás", que escribió el mítico René Goscinny (el creador, junto a Albert Uderzo, de "Astérix y Obélix") y el dibujante Jean-Jacques Sempé.

Ambos escribieron los libros "El pequeño Nicolás" (1960), "Los recreos del pequeño Nicolás" (1961), "Las vacaciones del pequeño Nicolás" (1962), "Los amiguetes del pequeño Nicolás" (1963) y "Joaquín tiene problemas" (1964). En 2004, Anne Goscinny, hija de René, entregó a Jean-Jacques Sempé una serie de historias cortas sobre Nicolás que su padre tenía guardadas y así, una vez ilustradas y adaptadas por Sempé, se publicaron los volúmenes "La vuelta al cole" (2004), "Diga" (2004), "El chiste" (2004), "Ojo con el pequeño Nicolás" (2006) y "El globo del pequeño Nicolás" (2009).

Lo que vemos en pantalla, procedente del primer libro, es el relato sobre un niño de 10 años que está preocupado porque su madre, según le ha parecido entender en una conversación de sus padres, está embarazada y, oyendo las experiencias de otros compañeros de clase que han tenido hermanitos, lo más probable es que sus progenitores, cuando llegue el bebé, pierdan todo interés en él y le abandonen en un bosque...

El director Laurent Tirard ha contado en "El pequeño Nicolás" con un reparto magnífico de grandes cómicos: Kad Merad, el padre de Nicolás, al que recordamos en "Bienvenidos al norte" (Dany Boon, 2008); Valérie Lemercier como la madre de Nicolás (la actriz y directora de "Palacio Real", 2006); Sandrine Kiberlain como la profesora de la clase de Nicolás (a la que vimos en "Usted primero"; Pierre Salvadori, 2006); y los niños que han sido bien seleccionados por Tirard y su equipo. Maxime Godart encarna a Nicolás y lo hace con bastante corrección, logrando el realizador que el chaval sea comedido en un papel ideal para desplegar, si se tiene, el histrionismo. Igualmente, están muy entonados los amigos de Nicolás: Aniano (Damien Ferdel), el sabihondo del colegio que protege lo primero las gafas cuando se meten con él; Alcestes (Vincent Claude), el gordito siempre dispuesto a apoyar a Nicolás; o Clotario (Victor Carles), el último de la clase, que logra después de enormes esfuerzos contestar correctamente a la pregunta de qué río pasa por París cuando el ministro de Educación en una visita al colegio se dirige a este chico que no sabe nada, no entiende nada y sólo quiere pasárselo razonable y pacíficamente bien dentro de su ignorancia supina.

Laurent Tirard utiliza a veces unos efectos visuales que cansan un poco y acercan "El pequeño Nicolás" al cómic o a la historieta clásica, lo que por otra parte no deja de ser coherente. Lo cierto es que esos recursos se perdonan sin más porque Tirard ha conseguido plasmar un ambiente encantador, de un pasado ideal en el que las cosas eran más inocentes y quizá más fáciles. Una dorada nostalgia que nos hace pasar un muy buen rato.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Le petit Nicolas". Dirección: Laurent Tirard. Guión: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron, Alain Chabat. Asesoramiento guión: Anne Goscinny. Basado en el libro homónimo de René Goscinny y Jean-Jacques Sempé. Intérpretes: Maxime Godart (Nicolás), Kad Merad(Padre de Nicolás), Velérie Lemercier (Madre de Nicolas), Vincent Claude (Alcestes), Charles Vaillant (Godofredo), Victor Carles (Clotario). Dirección de fotografía: Denis Rouden. Montaje: Valérie Deseine. Música: Klaus Badelt. Producción: Fidelité Films, Imav, Wild Bunch. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 90 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en francés. Premios: Nominada al Mejor Guión Adaptado en los Premios César del Cine Francés, 2010. Distribuidora: Vértigo. Estreno: 7 de mayo de 2010.

ESTRENO 30 de abril de 2010: 'WELCOME', UNA HERMOSA PELÍCULA DE AMOR Y CRÍTICA SOCIAL

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Welcome" es una extraordinaria cinta (mejor guión y premio del jurado joven en el Festival de Gijón) que narra la amistad de un socorrista de piscina (Vincent Lindon, intérprete de películas como "Caos"; Coline Serreau, 2001) en el Paso de Calais, frente a la costa británica, y un joven inmigrante kurdo-iraquí (Firat Ayverdi, actor no profesional francés) que quiere llegar a Inglaterra para reunirse con su novia. El director, Philippe Lioret (que ya exhibió su talento en films como "El extraño"; L'équipier, 2004, protagonizada por Sandrine Bonnaire) muestra con sensibilidad algunas de las vicisitudes que tienen que pasar estos seres nómadas que viajan en condiciones infrahumanas durante meses para llegar a su destino y conseguir, como mucho, un trabajo mal pagado y explotado.

Pero lo más importante de la película de Lioret es la maestría con que el cineasta parisino nos describe las personalidades de los dos protagonistas. El francés, un hombre triste tras el abandono de su esposa -que se dedica a ayudar a los inmigrantes ilegales (lo cual está prohibido en Francia)-, y el joven kurdo que, pese a todos los infinitos malos ratos que ha pasado en su viaje de tres meses desde Irak, es un ser inocente que piensa siempre que lo mejor está por venir y que todo es posible si lo intentas. Incluso cruzar a nado el Canal de la Mancha.

Poco a poco, "Welcome" nos va impresionando con esa historia de amor por partida doble que narra Philippe Lioret. Cómo va convenciéndonos en su tesis de que la vida no vale la pena si no se lucha por el amor, al que no se puede renunciar. Ese lazo de oro es el que une al francés de mediana edad, destrozado afectivamente, y al joven despierto a lo que le pueda ofrecer la vida, dando a cambio su limpieza de corazón.

Las obscenas leyes que, de prisa y corriendo, han formalizado los países del primer mundo para detener la incesante marea de personas que llegan hartas de que en sus países de origen se les niegue casi cualquier posibilidad de realizarse quedan en evidencia y descubren su verdadera faz ultraderechista por la que la igualdad (hablando de Francia) que promovió la Revolución de 1789 no es apta, de ninguna manera, para estos desharrapados.

Estamos deseosos también nosotros -como lo está el joven kurdo protagonista de esa vida futura llena de venturas- de imágenes y discursos positivos que nos ayuden a entender este drama inmundo del tráfico de personas. "Welcome" nos alienta a que busquemos el amor y la humanidad allá donde se encuentre y venga de donde venga, lo único que de verdad merece la pena en esta sórdida existencia de consumismo y crisis.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Welcome". Dirección: Philippe Lioret. Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam. Intérpretes: Vincent Lindon (Simon), Firat Ayverdi (Bilal), Audrey Dana (Marion). Dirección de fotografía: Laurent Dailland. Montaje: Andréa Sedlackova. Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar, Armand Amar. Producción: Nord-Ouest Productions, Studio 37. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 110 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en francés. Premios: Premio al mejor guión y premio del Jurado Joven en el Festival de Gijón, 2009; Premio Lux (valores europeos) del Parlamento Europeo, 2009. Distribuidora: Golem. Estreno: 30 de abril de 2010.

ESTRENO 23 de abril de 2010: 'QUE SE MUERAN LOS FEOS', LUMINOSA Y BIENINTENCIONADA COMEDIA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

La nueva película de Nacho G. Velilla (tras la graciosa "Fuera de carta", 2008, su primer film) es "Que se mueran los feos", homenajeando con el título aquella canción de los Sirex, grupo de los 60. Es un film luminoso, alegre. Intenta que el espectador pase un buen rato mientras va conociendo las tristezas de un hombre renco, feo (Javier Cámara, también protagonista de "Fuera de carta"), que desea enamorarse y ser correspondido. Sus amigos le toman el pelo, pero también le quieren. El cura moderno (Tristán Ulloa, el protagonista de "Un buen hombre"; Juan Martínez Moreno, 2009), el guapo oficial (Hugo Silva, estrenó en 2009 "Agallas", de Andrés Luque y Samuel Martín Mateos), el marido holgazán (Lluís Villanueva, en el reparto de "La soledad"; Jaime Rosales, 2007), la lesbiana que quiere tener un hijo (Ingrid Rubio, la vimos en "Salvador"; Manuel Huerga, 2006), la madre sufrida e insatisfecha (María Pujalte, una de sus últimas apariciones ha sido "Rivales"; Fernando Colomo, 2008), el ex hippy enfermo terminal con salud de hierro (Juan Diego, actor de films como "Casual Day"; Max Lemcke, 2007) y el bonachón del pueblo del que todos se ríen y él con ellos (Julián López, miembro de Muchachada Nui y actor de "Pagafantas"; Borja Cobeaga, 2009).

Con este grupo, Velilla compone un fresco regocijante de gente normal que trata de mirar las cosas desde el lado más amable, de vivir sin grandes agobios ni metas y sobre todo sin preocuparse de esa otra vida frenética y tan importante de la ciudad. La nómina de personajes la completa la cuñada del protagonista (Carmen Machi, protagonista de "Pájaros de papel"; Emilio Aragón, 2009), una mujer poco agraciada pero con un humor a prueba de bomba y muy romántica. Ella, con su sola presencia, consigue que todos los personajes mencionados reflexionen sobre lo que tienen y esperan de sus vidas y, de paso, luchen por encontrar un poco de amor.

"Qué se mueran los feos" se ve fenomenalmente bien, contiene unas actuaciones magníficas, una atmósfera bonita de pueblo lechero y una especie de magia escondida en el aire que viene a significar que es posible vivir sin tener siempre la cara descompuesta por la bilis. Delicioso cuento.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Que se mueran los feos". Dirección: Nacho G. Velilla. Guión: Oriol Capel, David S. Olivas, Nacho G. Velilla, Antonio Sánchez. Intérpretes: Javier Cámara (Eliseo), Carmen Machi (Nati), Juan Diego (Auxilio), Tristán Ulloa (Abel). Dirección de fotografía: David Omedes. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Música: Juanjo Javierre. Producción: Antena 3 Films, Producciones Aparte. Nacionalidad: España, 2010. Color, 93 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en Castellano. Premios: Festival de Málaga, sección oficial fuera de concurso. Distribuidora: Warner Bros Pictures International España. Estreno: 23 de abril de 2010.

ESTRENO 9 de ABRIL de 2010: 'LA ISLA INTERIOR', UN DRAMA DE ALTO VOLTAJE QUE NOS LLEGA MUY HONDO

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"La isla interior" es una película intensa, trágica, sobre una familia golpeada por el drama de la esquizofrenia. Los directores son Dunia Ayaso y Félix Sabroso, guionistas y realizadores de televisión (la serie "Mujeres", TVE, 2005), dramaturgos ("El hundimiento del Titanic", 2004) y autores de films como "Descongélate" (2003) o "Los años desnudos. Clasificada S" (2007). En los 90, con películas como "Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí" (1997) y "El grito en el cielo" (1998), fueron representantes de la llamada comedia petarda, pero su cine fue arrinconando esos intereses y adquiriendo un tono más sombrío que llega a su punto de ebullición en "La isla interior", donde logran provocarnos un nudo en el estómago que nos hace daño y al mismo tiempo nos gratifica.

La película (rodada y ambientada en Las Palmas de Gran Canaria, de donde son Ayaso y Sabroso) se apoya en las fenomenales actuaciones de Alberto San Juan (mejor actor en la Seminci de Valladolid y Goya al mejor intérprete por "Bajo las estrellas"; Félix Viscarret, 2007), Candela Peña (Goya a la mejor actriz por "Princesas"; Fernando León, 2005), Cristina Marcos (otra vencedora del Goya en 1994 con "Todos los hombres sois iguales"; Manuel Gómez Pereira), Geraldine Chaplin (con una larga carrera en el cine español -películas como "Ana y los lobos", Carlos Saura, 1972; o "En la ciudad sin límites"; Antonio Hernández, 2002, por la obtuvo el Goya a la mejor actriz de reparto), Celso Bugallo (el protagonista de "Cenizas del paraíso", José Antonio Quirós, 2008; y premio al mejor actor de reparto por "Mar adentro", Alejandro Amenábar, 2004) y Antonio de la Torre (actor premiado con el Goya al mejor secundario por "Azuloscurocasinegro"; Daniel Sánchez Arévalo, 2006).

San Juan es un escritor temeroso que no se decide nunca a irse de la casa paterna; Candela Peña encarna a una mujer enamorada de un hombre casado que la maltrata; Cristina Marcos es una actriz de culebrón televisivo que necesita tomar pastillas para mantener un cierto equilibrio mental y emocional. Todos ellos son manipulados por los padres, Chaplin y Bugallo, que con el pretexto de protegerles realmente les hacen la vida imposible.

"La isla interior" es una de las películas grandes del cine español de 2010. Es un film que merece tener un gran éxito por ser una apuesta de alto riesgo, por su excelente guión pivotado en los personajes de Alberto San Juan, Candela Peña y Cristina Marcos, por la sólida dirección de Dunia Ayaso y Félix Sabroso, que no se permiten la menor concesión en una narración absorbente y volcánica. Habla de nosotros, de los que sufrimos a diario las agresiones "inocentes" de los demás y nos pillan siempre a contrapié para intentar defendernos. Si lo tomamos así, se convierte "La isla interior" en un viaje íntimo que agradecemos desde nuestras más sentidas lágrimas.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "La isla interior". Dirección y guión: Dunia Ayaso y Félix Sabroso. Intérpretes: Alberto San Juan (Martín), Candela Peña (Coral), Cristina Marcos (Gracia), Antonio de la Torre (Iván). Dirección de fotografía: Juan A. Castaño. Montaje: Ascen Marchena. Música: Lucas Vidal. Producción: Mecanismo Films, Ayaso y Sabroso PC, La Mirada Producciones. Nacionalidad: España, 2009. Color, 93 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en Castellano. Premios: Mejor Actor (Alberto San Juan) en el Festival de Valladolid, 2009, Premio 'Julio Verne' en el Festival de Cine Español de Nantes, 2010. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 9 de abril de 2010.

Abrimos una nueva sección del blog, LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE, con la intención de echar una mirada al pasado. Películas antiguas o recientes que son una apuesta segura, o atractiva, cuando nos decidimos a visionarlas en dvd. Porque es posible soñar y deleitarse en cualquier formato y en cualquier sala.

LOS CLÁSICOS DE UN POCO DE CINE

'CASABLANCA', MUCHO MÁS QUE UNA PELÍCULA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS. 24 de marzo de 2010

Esta genial película de 1942 supuso el encumbramiento de sus estrellas: Humphrey Bogart (que, después de su etapa de secundario en los 30, ya había sido protagonista de dos films negros, "Él último refugio", High Sierra; Raoul Walsh, 1941; y "El halcón maltés", The Maltese Falcon; John Huston, 1941) e Ingrid Bergman (la actriz sueca musa de Alfred Hitchcock en films como "Encadenados", Notorious, 1946). Una película dirigida con oficio y agilidad por Michael Curtiz, húngaro de nacimiento, 1886, y llegado a Hollywood en 1926, donde haría películas como "El capitán Blood", Captain Blood, 1935; o "Las aventuras de Huckleberry Finn", The Adventures of Huckleberry Finn, 1960.

Los guionistas de "Casablanca", los hermanos Julius y Philip Epstein (entre sus guiones está "Arsénico por compasión", Arsenic and Old Lace; Frank Capra, 1944) y Howard Koch (firmó el guión de "La carta", The Letter; William Wyler, 1940) lograron hilvanar con magia una historia (basada en la obra teatral "Everybody Comes to Rick's", de Murray Burnett y Joan Alison) en la que había romance, aventura, idealismo y lucha contra el nazismo, pues el film se hizo en plena Segunda Guerra Mundial.

Al Café de Rick (Bogart) en Casablanca, llegan los más pintorescos personajes, huidos de Europa que esperan el momento propicio para volar a América: burgueses represaliados, gente común sin patria, jugadores, ladrones, mujeres hermosas y los gendarmes de la policía francesa del Gobierno pronazi. El capitán Louis Renault (Claude Rains, un actor siempre secundario en films como el citado "Encadenados") tiene una peligrosa relación con Rick en la que ninguno de los dos descubre sus verdaderas cartas sobre de qué lado está en la guerra. Una noche, se presenta en el glamuroso local Ilsa (Ingrid Bergman), amor de Rick y casada con un líder de la Resistencia (Paul Henreid). Rick se debate, al volver a ver a Ilsa, entre su despecho y la necesidad de tomar partido cuando un importante oficial nazi, el mayor Strasser (Conrad Veidt) llega al café y declara su intención de agilizar la detención de todos los activistas contra la ocupación.

"Casablanca" está llena de maravillosos personajes que deambulan por el café casino de Rick. El "maître" Carl (S.Z. Sakall, al que vimos en films como "Bola de fuego", Ball of Fire; Howard Hawks, 1941) que admira profundamente a Rick y es miembro de la Resistencia; el taimado delincuente Ugarte (Peter Lorre, actor alemán de, entre otras, "El halcón maltés"), el gordo dueño del café "El Loro Azul", señor Ferrari (Sidney Greenstreet, también en el reparto de "El halcón maltes"), que quiere comprar el local de Rick y tiene, como todos, contactos con el contrabando de cualquier clase y la clandestinidad; y Sam (Dooley Wilson), el pianista del café y cantante de la inmortal "As Times Goes By", el fiel ayudante de Rick, testigo del amor de su jefe e Ilsa cuando los alemanes conquistaron París y tuvieron que huir a toda prisa en el tren rumbo a Marsella.

Uno sigue emocionándose cuando ve y oye "La Marsellesa", interpretada por la orquesta y cantada por el público del café como símbolo de la libertad, la fraternidad y la igualdad, haciendo callar a las voces de los militares alemanes que entonan una loa nazi. Continúa siendo desbordante la secuencia final en el aeropuerto y el juego de miradas entre Rick, Ilsa, el marido de ésta, el prefecto Louis Renault y el mayor nazi. Cómo se decide el futuro de los personajes en unos pocos segundos mientras el avión en el que algunos huirán de la guerra está a punto de despegar.

"Casablanca" es una de esas películas que certifica la grandeza de Hollywood como creadora de sueños, de humanidad y energía para combatir desde cualquier posición a los enemigos de la vida y la libertad de cada cual. El aficionado no tendrá problemas (ver en la ficha técnica y artística) para conseguir un dvd de buena calidad de este film que nos hace ser más felices, más merecedores de lo que está escrito con letras de oro en nuestro corazón.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Casablanca". Dirección: Michael Curtiz. Guión: Julius y Philip Epstein, Howard Koch. Basado en en la obra teatral "Everybody Comes to Rick's", de Murray Burnett y Joan Alison. Productor: Hal B. Wallis. Intérpretes: Humphrey Bogart (Richard, "Rick", Blaine), Ingrid Bergman (Ilsa Lund), Claude Rains (Louis Renault), Paul Henreid (Victor Laszlo). Dirección de fotografía: Arthur Edeson. Montaje: Owen Marks. Música: Max Steiner, canción "As Times Goes By", de Herman Hupfeld. Producción: Warner Bros. Nacionalidad: EE UU, 1942. Blanco y Negro, 102 minutos. V.O . en inglés. Premios: Oscar a la mejor película, director y guión adaptado. Nominaciones al mejor actor (Humphrey Bogart), actor de reparto (Claude Rains), fotografía, montaje y música. Estreno: 26 de noviembre de 1942, en Nueva York. Edición en DVD: 9.95 euros; formato blu-ray: 21,95 euros (tiendas Fnac, precios de marzo 2010).

ESTRENO 5 de MARZO de 2010: 'CORAZÓN REBELDE', HERMOSA HISTORIA DE UN HOMBRE LIBRE

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Corazón rebelde" es la primera y excelente película de Scott Cooper (actor secundario de películas como "Dioses y generales"; Ronald F. Maxwell, 2003) y amigo de Robert Duvall (el gran actor de films como "El Padrino" 1 y 2; Francis Ford Coppola, 1972, 1974), productor de la cinta. Está protagonizada por Jeff Bridges (el memorable intérprete de "El gran Lebowski"; Hermanos Coen, 1998, y ahora nominado al Oscar al mejor actor por este papel). Encarna a un viejo cantante de country que no se amolda a las reglas de la industria musical y no tiene más remedio que deambular de un lugar a otro por la gran geografía del suroeste de EE UU, actuando por unos pocos dólares. En Santa Fe (Nuevo México) conoce a una periodista (Maggie Gyllenhaal, la actriz de películas como "Más extraño que la ficción"; Marc Forster, 2006, y, como Bridges, nominada al Oscar a la mejor intérprete de reparto) de la que se enamora. Ese amor que no esperaba choca con su arriesgado ritmo de vida bebiendo siempre más de la cuenta y cada vez más desencantado.

La película contiene grandes canciones, debidas a la inspiración de T Bone Burnett (compositor de bandas sonoras como la de "O Brother!", Hermanos Coen, 2000), Stephen Bruton, artista tejano fallecido antes de que se estrenara el film, y Ryan Bingham, emergente cantante del nuevo country-rock que ha compuesto el tema "The Weary Kind", nominado al Oscar a la mejor canción. Por si fuera poco, hay en "Corazón rebelde", una colaboración especial de Colin Farrell (el actor irlandés al que hemos visto recientemente en "Triage", Danis Tanovic, 2009) como el discípulo joven y famoso de Bad Blake, el personaje de Jeff Bridges.

Las carreteras de Nuevo México, Arizona, Tejas, la magia de ese paisaje inmenso, se abren para nosotros en "Corazón rebelde", siendo el marco perfecto para esta historia de redención que nos hará pasar un buen rato.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Crazy Heart". Dirección y guión: Scott Cooper. Basado en la novela homónima de Thomas Cobb. Intérpretes: Jeff Bridges (Bad Blake), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Robert Duvall (Wayne), Ryan Bingham (Tony), Colin Farrell (Tommy Sweet). Dirección de fotografía: Barry Markowitz. Montaje: John Axelrad. Música: T Bone Burnett, Stephen Bruton, Ryan Bingham. Producción: Informant Media, Butcher's Run Films. Nacionalidad: EE UU, 2009. Color, 112 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en inglés. Premios: Nominada al Oscar al mejor Actor (Jeff Bridges), mejor actriz de reparto (Maggie Gyllenhaal) y mejor canción ("The Weary Kind", de Ryan Bingham), Globo de Oro al mejor actor (Jeff Bridges), mejor canción ("The Weary Kind"). Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno: 5 de marzo de 2010.

ESTRENO 26 de FEBRERO de 2010: "UN PROFETA", UNA GRAN PELÍCULA ENTRE REJAS

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

El francés Jacques Audiard (que en 2006 tuvo un gran éxito con "De latir, mi corazón se ha parado", De battre mon coeur s'est arrête) ha seguido por la senda del cine policíaco en "Un profeta" (nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa). Un film de alto voltaje de ambiente carcelario que cuenta la ascensión de un joven magrebí (el desconocido actor Tahar Rahim, premio al mejor intérprete en los galardones del Cine Europeo) desde la nada entre rejas hasta la cima del poder mafioso. Un hombre despierto asociado para sobrevivir a los presos corsos, que controlan el recinto y con una amplia gama de negocios en el exterior que comprenden casinos, prostitución o drogas.

El protagonista aprende a pensar como estos capos (impresionante también la interpretación de Niels Arestrup, como el jefe de los mafiosos corsos, un veterano actor que intervenía igualmente en "De latir, mi corazón se ha parado") y al mismo tiempo se da cuenta de la pujanza de los magrebíes en las redes del crimen organizado. Son dos horas y media densas, a veces terribles por la crudeza de las imágenes, a veces con un fondo de ternura que nos apabulla. Audiard (director otros films famosos, como"Un héroe muy discreto", Un héros très discret, 1996) reivindica la calma, incluso la intimidad del cine de autor francés frente a la espectacularidad operística de las películas norteamericanas de esta temática (de "La leyenda del indomable", Stuart Rosenberg, 1967, a "La última noche", Spike Lee, 2002).

Con tales señas de identidad francesas y, por ende, europeas, "Un profeta" completa un fresco ambicioso de este submundo del hampa y lo auténticamente destacable es que sus pretensiones no se quedan a medio camino. Una gran película que merece todos los premios.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Un prophète". Dirección: Jacques Audiard. Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain. Basado en un argumento de Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufallit. Intérpretes: Tahar Rahim (Malik), Niels Arestrup (César Luciani), Adel Bencherif (Ryad), Reda Kateb (Jordi El Gitano). Dirección de fotografía: Stéphane Fontaine. Montaje: Juliette Welfling. Música: Alexander Desplat. Producción: Why Not Productions, Chic Films, Page 114. Nacionalidad: Francia, 2009. Color, 154 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en francés. Premios: Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 2009; Premio BAFTA de la Academia Británica a la Mejor Película de Habla No Inglesa; Nominada a 12 César de la Academia de Francia (entre ellos Película y Dirección). Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 26 de febrero de 2010.

ESTRENO 12 de FEBRERO de 2010: "UN HOMBRE SOLTERO", BELLEZA Y SENSUALIDAD A RITMO DE TRAGEDIA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

El debut del tejano Tom Ford (1961) en la dirección (fotógrafo y creador de campañas publicitarias para marcas como Gucci e Ives Saint Laurent) es una película que logra deslumbrarnos visualmente y, al mismo tiempo, nos desgarra el corazón. Cuenta una historia de amor (basada en la novela homónima del escritor británico Christopher Isherwood, editada en 1964) de un profesor universitario en Los Ángeles que no puede soportar el dolor que le produce la muerte de su amante (Matthew Goode, al que recordamos en "Al sur de Granada"; Fernando Colomo, 2003) en accidente de coche.

Ford ha confiado para llevar a buen puerto "Un hombre soltero" en el talento de un gran actor, Colin Firth, protagonista de films como "La joven de la perla" (Peter Webber, 2003) o "¡Mamma Mia!" (Phillyda Lloyd, 2008). Su nominación al Oscar (que se conceden el próximo 7 de marzo) al mejor actor es completamente merecida. Le acompaña en el reparto Julianne Moore (fantástica actriz norteamericana a la que hemos visto en películas como "Magnolia"; Paul Thomas Anderson, 1999; o "A ciegas", Fernando Meirelles, 2008), que encarna a una mujer madura que no encuentra el consuelo sentimental que necesita para su vacío existencial.

"Un hombre soltero" está ambientada en 1962, justo antes de que comience la gran revolución contracultural de los 60 y en plena crisis de los misiles de Cuba, cuando el mundo parecía encaminarse a una tercera guerra mundial. Un desastre ambiental de fondo y en primer término el personal del personaje de Firth, flirteando con el suicidio durante un largo día. Pero, al término del cual, cree haber encontrado una nueva estabilidad al lado de un alumno (Nicholas Hoult, el chico protagonista de "Un niño grande"; Chris Weitz, Paul Weitz, 2002) que busca su orientación sexual en su compañía. Ford, en la mirada perdida del personaje de Firth durante ese día, introduce hermosos y poéticos flashbacks que rememoran el amor del profesor y su pareja, iniciado en un bar de una playa californiana al término de la segunda guerra mundial. De esos recuerdos, el protagonista encuentra razones para seguir sufriendo, pero también motivos para vivir en un mundo que no nos concede ni el menor margen para tratar de controlar la realidad. Placer y dolor unidos, pues así es la vida. Tom Ford lo plasma con mucho acierto y uno sale del cine gratificado al ver estas emociones en danza.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "A Single Man". Dirección: Tom Ford. Guión: Tom Ford, David Scearce. Basado en la novela homónima de Christopher Isherwood. Intérpretes: Colin Firth (George), Julianne Moore (Charley), Matthew Goode (Jim), Nicholas Hoult (Kenny), Jon Kortajarena (Carlos). Dirección de fotografía: Eduard Grau. Montaje: Joan Sobel. Música: Abel Korzeniowsky, Shigeru Umebayashi. Producción: Fade To Black, Depth of Field, Im Global. Nacionalidad: EE UU, 2009. Color, 101 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en inglés. Premios: Copa Volpi al Mejor Actor (Colin Firth) en el Festival de Venecia, 2009. Distribuidora: Aurum. Estreno: 12 de febrero de 2010.

ESTRENO 29 de ENERO de 2010: 'CHÉRI', LA FASCINACIÓN DE LA 'BELLE ÉPOQUE'

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Chéri" es un film que se beneficia de la mano maestra del británico Stephen Frears (el director de grandes películas como la dieciochesca "Las amistades peligrosas", Dangerous Liasons, 1988; o el thrilller "Los timadores", The Grifters, 1990), con ensoñadoras imágenes del esplendor burgués en la Francia de la "belle époque" de finales del siglo XIX y principios del XX. Narra la pasión de una cortesana madura (Michelle Pfeiffer) que se enamora de un joven muy atractivo (Rupert Friend) aunque sabe que su madre (Kathy Bates), también cortesana, le va a casar con una joven y rica heredera.

Stephen Frears (otra de sus películas es la famosa "The Queen", 2006, por la que Helen Mirren logró el Oscar a la mejor actriz) ha vuelto a trabajar con Christopher Hampton (guionista de "Las amistades peligrosas" y de otras películas como "El americano impasible", Phillip Noyce, 2002), y si en "Las amistades..." adaptaba a Choderlos de Laclos, aquí lo hace con Colette (1873-1954), la escritora francesa que vivió el apogeo de la "belle époque" ("Chéri" se publicó en 1920).
Además de la elección del guionista, "Chéri" tiene mucho que ver con "Las amistades peligrosas". Es nuevamente la plasmación de un amor que no logran encauzar los protagonistas. En aquella ocasión era un trío imposible en el que sufrían Michelle Pfeiffer, John Malkovich y Glenn Close, y aquí es una mujer que ha vivido de los hombres con grandes fortunas, ofreciéndoles ellos una gran posición económica, y un joven que no sabe poner en claro sus sentimientos.
Michelle Pfeiffer (actriz de films como Los fabulosos Baker Boys", Steven Kolves, 1992; o "La edad de la inocencia", Martin Scorsese, 1993) nos deslumbra con su belleza y su elegancia. Está acompañada por la excelente intérprete Kathy Bates, que ganó un Oscar a la Mejor Actriz por "Misery" (Rob Reiner, 1991) y que recordamos más recientemente en espléndidos papeles como el de la dama de clase popular pero adinerada de "Titanic" (James Cameron, 1997) o la excéntrica ama de casa de "A propósito de Schmidt" (Alexander Payne, 2003).
"Chéri" es otra de esas películas placenteras por las que viene apostando UN POCO DE CINE, que son eficaces portadoras del buen gusto y la paz en las salas. Y, además, Stephen Frears siempre es una garantía de cine diferente y auténtico.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Chéri". Dirección: Stephen Frears. Guión: Christopher Hampton. Basado en la novela homónima de Colette. Intérpretes: Michelle Pfeiffer (Léa de Lonval), Kathy Bates (Madame Peloux), Rupert Friend (Chéri), Felicity Jones (Edmée). Dirección de fotografía: Darius Khondji. Montaje: Lucia Zucchetti. Música: Alexandre Desplat. Producción: Bk Films, Bill Kenwright, Pathé Uk Film Aramid Entertainment. Nacionalidad: Reino Unido-Francia-Alemania, 2009. Color, 92 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en inglés. Premios: Sección Oficial del Festival de Berlín, 2009. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 29 de enero de 2010.

LA SAGA PETRA DELICADO, NOVELA NEGRA DE ALTURA Y EL PERFIL DE UNA MUJER DURA PERO TIERNA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

UN POCO DE LIBROS. 11 de febrero de 2010

La escritora Alicia Giménez Bartlett (Albacete, 1951, arriba en la foto) ha publicado en los últimos tres lustros 8 novelas policíacas (todas, salvo la última, editadas en bolsillo en la colección Booket, de Planeta, a 7'95 euros cada una) con un mismo personaje protagonista: Petra Delicado. Una inspectora de policía de Barcelona divorciada dos veces a la que acompaña su fiel Fermín Garzón, subinspector que lleva muchos años en el cuerpo. Petra es una mujer moderna, progresista, que lucha por la justicia, por encontrar la verdad en un mundo que a menudo está patas arriba. Giménez Bartlett ha construido una saga (con gran éxito en países como Italia, Francia, Alemania o Estados Unidos) que se lee con fruición, con ratos de excelente humor y también dramatismo cuando llegan los crímenes y son como si un golpe de viento nos desarbolara.

La primera historia vio la luz en 1996, "Ritos de muerte", donde una inexperta Petra Delicado (antes era abogada) y un recién llegado a Barcelona desde su anterior destino en Salamanca Fermín Garzón se les adjudicaba un caso porque no había nadie más desocupado en la comisaría. Ambos no ocultaban su poca sintonía inicial aunque terminan siendo amigos y cómplices intentando desentrañar la identidad de un violador que marca a sus víctimas. En "Día de perros" (1997), el comisario Coronas, un buen personaje al que uno se imagina perfectamente en su total carnalidad y que siempre parece agobiado y dispuesto, a riesgo de su salud, a echar la bronca, les encarga también de rebote un caso donde se las tienen que ver con una cadena siniestra de seres implacables que organizan peleas caninas clandestinas y no muestran ningún reparo en quitar de en medio al que moleste demasiado en la marcha de un negocio muy rentable. Ambos policías están en peligro de la muerte y el subinspector Garzón se enamora de una adiestradora de perros. La inspectora Petra Delicado, en estas dos primeras novelas, sigue en contacto con su ex maridos y al mismo tiempo tiene algún flirt que termina casi antes de empezar porque, después de dos matrimonios fracasados, lo que quiere conservar a toda costa es su independencia. También ayuda al subinspector Garzón en su recién estrenada vida de soltero con casa propia, un hombre viudo y con un hijo médico con el que no se entiende, que rejuvenece al lado de la inspectora. En 1999, se publicaría "Mensajeros de la oscuridad", donde Petra y Garzón, que continúan discutiendo en plan borde para nuestro regocijo pero son cada vez más camaradas, viajan a Moscú a fin de resolver un caso que tiene que ver con cultos diabólicos y mortales y corrupción mafiosa. En 1999 también, llegaría una adaptación para televisión (Tele 5) de los personajes de Giménez Bartlett con Ana Belén como Petra Delicado y Santiago Segura en el papel de Fermín Garzón. La dirigió Julio Sánchez Valdés.

En 2001, se publica "Muertos de papel", en la que el dúo de detectives se trasladan a la capital del reino para investigar el asesinato de un periodista de la prensa del corazón y sus poderosas vinculaciones con el Gobierno. A estas alturas, en la comisaría donde prestan servicio ya saben, tanto el comisario Coronas como el resto de compañeros, del olfato y la agudeza de Petra Delicado para solucionar enigmas siempre apoyada por la eficacia y naturalidad de un funcionario como Garzón que conoce su oficio al dedillo. En la siguiente aventura, "Serpientes en el paraíso" (2002) los policías resuelven un caso de pasiones inapropiadas que llevan a la traición y al asesinato en una urbanización de lujo en la que nada es lo que aparenta bajo una apacible fachada de familias jóvenes con hijos y trabajos solventes. Además, en esta entrega Garzón encuentra de nuevo el amor en una mujer de la burguesía catalana. En "Un barco cargado de arroz" (2004), Petra Delicado tiene un romance con un médico que se ocupa de los vagabundos, en una trama en la que se airea la tapadera que a veces son las ONG para negocios más turbios. En este libro, aparece otro personaje interesante, la joven y guapa Yolanda Santos que de policía municipal pasa a ser policía de homicidios. En "Nido vacío" (2007) tanto Garzón como Petra Delicado y Yolanda se casan. Petra con un hombre divorciado como ella dos veces pero con ¡cuatro hijos! y mientras llega la ceremonia resuelven un escabroso embrollo de abusos y pornografía infantil. Por último en "El silencio de los claustros" (publicada por Destino -Grupo Planeta- en 2009. 18 euros) Petra Delicado va bregando con su vida matrimonial y sus hijastros y Fermín Garzón intenta acostumbrarse a una vida burguesa para la que no está preparado. Tienen entre manos un inquietante asunto del robo de una reliquia y el asesinato de un monje en un convento que esconde en realidad asuntos poco santos de las religiosas.

Y eso es todo por ahora, pero, como se dice de James Bond en el final de cada película de esa franquicia, Petra Delicado volverá, y estaremos encantados de leer sus nuevas aventuras y saber de su sabio compañero popular y nada carca Fermín Garzón, de sus respectivos cónyuges, de la eficaz agente Yolanda y su desastrosa compañera Sonia, del juez García Mouriños que es un experto en cine independiente y en el buen vivir; y de otras muchas sorpresas y encuentros agradables. Estamos a la espera.

ESTRENO 15 de ENERO de 2010: 'AMERRIKA', UNA PELÍCULA AGRADABLE Y NECESARIA

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

La ópera prima de Cherien Dabis, directora norteamericana de origen árabe, es una historia moral muy emotiva y fresca que transcurre durante la invasión estadounidense de Irak en 2003. "Amerrika", premiada en los festivales de Cannes y Valladolid (ver ficha técnica y artística), retrata a una madre y un hijo adolescente palestinos que emigran a un pueblo de Illinois donde tienen familiares. El film se detendrá sobre todo en la lucha de esta infatigable mujer por integrarse en un país, y en concreto en un lugar de la América profunda, en el que la xenofobia, después del 11-S, es muy intensa.

En "Amerrika", Dabis ha construido con mimo una serie de personajes cotidianos que, en su mayoría, sean nativos o no, lo que quieren es salir adelante y ser un poco felices. Encontrar el calor y la comprensión precisamente en un lugar norteño y apartado en el que predominan las temperaturas frías, tan diferente de la luz cálida de Palestina. En el reparto, con un papel secundario, destaca la presencia de Hiam Abbass, la actriz israelí que ha conseguido fama internacional tras "Los limoneros" (Eran Riklis, 2007) y, principalmente, "The Visitor" (Tom McCarthy, 2008).

"Amerrika" es una de esas películas que no pretende ser el mejor film del año, sino ocupar a base de ternura y humanidad un lugar en el corazón del espectador. Esa falta de pretensiones, que no de profundidad, es muy de agradecer y no pasará por ello desapercibida esta apuesta de cine para todos los públicos que privilegia lo que nos distingue como personas.


FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: "Amreeka". Dirección y guión: Cherien Dabis. Intérpretes: Nisreen Faour (Muna), Melkar Muallem (Fadi), Hiam Abbass (Raghda), Joseph Ziegler (Mr. Novatski). Dirección de fotografía: Tobias Datum. Montaje: Keith Reamer. Música: Kareem Roustum. Producción: First Generation Films, Alcina Pictures Buffalo Gal Pictures, Eagle Vision Media Group Production. Nacionalidad: EE UU-Canadá-Kuwait, 2009. Color, 96 minutos. Formato: 1: 2, 35. V.O. en inglés y árabe. Premios: Premio FIPRESCI en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, 2009; Premio a la Integración Cultural en el Festival de Valladolid, 2009. Distribuidora: Festival Films. Estreno: 15 de enero de 2010.

ESTRENO 8 de ENERO de 2010: 'CAPITALISMO: UNA HISTORIA DE AMOR', LA FUERZA DE MICHAEL MOORE

ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

"Capitalismo: una historia de amor" es un documental vigoroso que nos presenta al popular Michael Moore (el gran artífice de películas tan fantásticas como "Bowling for Columbine" o "Fahrenheit 9/11"), preguntándose en su estilo extrovertido y alegre -como no ha dejado de hacerlo de una u otra manera en una carrera que comenzó en 1989 con "Roger & Me"- por qué sus compatriotas norteamericanos aman tanto el capitalismo.

Moore entrevista a gente corriente -la que siempre está en apuros-, se inmiscuye en sus vidas, es agresivo hasta donde puede con los que tienen la sartén por el mango y en ningún momento deja de tener un punto de ternura e inocencia, a lo que contribuye su aspecto de oso bonachón de las montañas. El carismático documentalista es demagógico en sus juicios, a veces sesgado, pero tiene una habilidad tremenda para tocarte la fibra sensible, para emocionarte de verdad como pocas cintas lo consiguen. Es un caso único en la historia del documental, y este film lo corrobora.

"Capitalismo: una historia de amor" afirma que antes de las elecciones presidenciales de noviembre de 2008 hubo un golpe de Estado financiero para salvar el sistema económico del país y, por ende, del mundo. El capitalismo, que está poblado de gente avariciosa y malvada, debe continuar activo para que siga funcionando la economía internacional de la manera en la que la conocemos: con sus hipotecas, su consumo desenfrenado y el trabajo asalariado de cada uno, una pequeña pieza más pero necesaria en el engranaje. Sobrecogen las conclusiones de Moore sobre estas personas que de la noche a la mañana lo pierden todo por la crisis financiera y las cosas siguen más o menos igual puesto que el Estado ha rescatado a los bancos. El cineasta expone que en su país nadie dice nada hasta que se encuentran con el agua al cuello. "Alguien tiene que alzar la voz. Mi objetivo es plantear las preguntas que considero que debe hacerse la sociedad".

Uno ve las películas de este izquierdista lenguaraz y compasivo con el mismo ánimo y la misma sensación que si viera un espectáculo deportivo o escuchara una bonita canción pop: son ágiles, divertidas, sorprendentes y las comprende todo el mundo. Desde"Bowling for Columbine", y pese a que siempre se refiere a los problemas de EE UU, se ha convertido en una estrella internacional con premios tan importantes como el Oscar al mejor documental por la citada película y la Palma de Oro en el festival de Cannes por "Fahrenheit 9/11".

"Capitalismo: una historia de amor" emite una gran energía y con esa fuerza extraordinaria que recibimos salimos del cine. Por eso, le damos las gracias a Michael Moore y por tener esperanza en que alguna vez el mundo no será de explotadores y explotados. Quizá alguna vez.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Título original: "Capitalism: A Love Story". Dirección, guión y producción: Michael Moore. Intervienen: Michael Moore, Wallace Shawn, Thora Birch, Congresista Elijah Cummings. Dirección de fotografía: Dan Marracino, Jayme Roy. Montaje: Conor O'Neill, John Walter, Jessica Brunetto, Alex Meiller, T. Woody Richman. Música: Jeff Gibbs. Producción: Dog Eat Dog Films. Nacionalidad: EE UU, 2009. Color, 126 minutos. Formato: 1: 1, 85. V.O. en inglés. Premios: Sección Oficial del Festival de Venecia, 2009. Distribuidora: Alta Classics. Estreno: 8 de enero de 2010.

SUNDOWN


ALBERTO ÚBEDA-PORTUGUÉS

Siempre iba detrás de sus ajustados tejanos, de un mínimo gesto encantandor que le hacía tener fe. Rebuscaba en sus bolsillos las últimas monedas para poseerla otra vez, como cualquier noche. Como cualquier noche, cantaba en cafés anónimos cercanos al puerto donde los marineros bebían y olvidaban travesías.

"La veo recostada con su vestido de raso en una habitación donde uno hace lo que no confiesa".

Se sentía como un conquistador del amor, hechizado por sus cabellos rubios, por el reflejo del sol en sus ojos. Buscando la suerte en el último abrazo y creando canciones que le alegraban el alma.

"Mira como una reina en el sueño de un marino y no siempre dice lo que piensa".

Era un romance del que apenas podía decir nada coherente. Lo único que tenía claro era que cada día sentía una emoción incontenible y dejaba sus otras ocupaciones (estibador, chico de los recados, repartidor de periódicos) para refugiarse en sus brazos. En cualquier momento se imaginaba cómo la amaría. Estaban en una habitación desolada donde nada parecía estar en su sitio y sin embargo era acogedora.

-¿Por qué me miras así?

-No tengo otra cosa que hacer en la vida.

Era un esclavo de esa fascinación y no podía ni quería evitarlo. Simplemente, ella enarcaba una ceja y eso bastaba para que el calor le entrara por la punta de los pies y le llegara hasta la raíz del pelo.


-¿Cuánto puedes pagarme?

-Te daré como siempre todo lo que tenga.

Y después volvía a cantar en garitos infestados de humo y alcohol. Inventaba historias en las que las sirenas llevaban a los marinos al fondo del océano. Los hombres del mar, que escuchaban las canciones, bebían con ansia tratando de olvidar una gran ola que estallaba en su cabeza.

"Sé todas las cosas que un hombre puede hacer. Perderse en su amor es la primera de tus equivocaciones".


Él después corría a pagarle sus servicios. Y el amor, suave, fuerte, embriagador, se adueñaba de su ser. Se sentía de alguna manera completo, esa es la palabra, viéndola desnuda mientras ella peinaba sus largo cabellos y el mar se recortaba en la ventana.

-Me iré pronto.


Su voz no parecía real. ¿Lo habría soñado? ¿Cómo era posible que tal perfección de felicidad inefable se evaporara de su vida?


Miró tontamente la palma de su mano. Quizá era cierto que el destino, los plazos del amor y la muerte, estaban marcados en esas misteriosas líneas.


La marea comenzaba a subir. Los barcos calentaban motores, la tripulación cerraba la bodega repleta de carga. Rebuscó otra vez monedas en sus bolsillos, algún billete arrugado, pero le respondió el vacío. Le dejaron actuar en uno de los lupanares más concurridos. Mientras cantaba, vio a los marineros con el petate al lado de sus mesas. Seguían bebiendo, la mirada turbia y la mente muy lejos de allí, en Singapur donde también se emborracharían y amarían a quien se dejara o en Macao, en la que perderían en una mano de cartas la paga de un año.

"A veces me avergüenza sentirme mejor cuando no tengo dolor".


Aquella tarde consiguió más monedas, sus canciones sonaron como nunca. Retó al tiempo con más valor. Pensaba que había compuesto una canción que dejaba sin efecto el destino y las despedidas.

"Es una mujer difícil de amar y eso hace que me sienta mal".


Subió casi contento a la habitación desolada. Los ojos llenos de pasión, soñando con los primeros besos y el placer a la luz de las velas. Abrió la puerta. Su olor estaba en cada rincón, encima de la cama, en la ventana desde la que se veía zarpar un barco. Unos cabellos rubios en la cubierta, un marinero tatuado a su lado.

Anochecía. Sí, sin duda se había sentido triunfante con sus nuevas y hermosas canciones, pero mientras se alejaba el barco y la melena rubia se fundía en el chaquetón del marinero se daba cuenta de que no tenía nada y que sólo podía abrazar la botella triste que había dejado el hombre de mar cerca de la cama donde había amado, a cambio de viajes y aventura, a la mujer por la que él suspiró.

"Anochece, a veces creo que es pecado sentirme como un ganador cuando estoy perdiendo de nuevo".